Imagen

VÍCTOR MIRA. Viaje de una generación (Pl 04)

Del 10 de octubre de 2018 al 6 de enero de 2019

Viaje de una generación reúne un conjunto de obras, prácticamente inéditas, realizadas en los últimos 10 años de la vida de Víctor Mira. Un recorrido a través de 23 óleos y 14 fotografías intervenidas por el artista, que conforman 4 conjuntos de obras de su última etapa, algunas de ellas nunca mostradas al público. Comenzando por el Autorretrato, que abre la exposición, la muestra incluye los siguientes conjuntos de obras:

  • Los Golpeados (1993). Carpeta con 12 fotografías en blanco y negro manipuladas, en las que artistas del siglo XX, desde Jean Renoir a James Joyce, Sylvia Plath o Marilyn Monroe aparecen rerpesentados por cadenas de gruesos eslabones. En los retratos queda oculto uno de los extremos de la cadena, pero resulta obvio que quien les amarra es la misma sociedad que les admira. La cadena de esos personajes es, también en parte, su cordón umbilical, que les mantiene unidos a aquello que les proporciona su alimento. 
  • La Última Cena (1998-1999): Políptico de 16 metros compuesto por 13 óleos, con una visión personal del artista sobre el tema del Evangelio. Según narra Ester Romero, el artista "no enmarca a los personajes dentro de un cenáculo ante una mesa, sino que representa a los discípulos sentados sobre unos austeros asientos de madera unidos entre sí y soportados por Jesús, que grita de dolor ante el peso del pecado en el mundo. Este grito de sacrificio, que nos recuerda a Munch, es el reflejo del horror ante la frágil fortaleza de la virtud y la muestra de lo sencillo que resulta la corrupción del alma. Ese Jesús que aúlla es, en buena medida, un autorretrato de Víctor Mira; y los apóstoles son antihéroes enfrentados a la miseria humana, contemplando escenas como la explosión de la bomba atómica o un convoy de soldados españoles de la División Azul.
  • Mood. El cielo de las mujeres (2001-2003). Un cartón y un lienzo vinculados con El cielo de las mujeres, pieza tetral que Víctor Mira terminó en 2002 y cuyo estreno no llegó a ver. La obra reflexiona sobre la incomunicación fundiendo lo simbólico, lo existencial y lo grotesco.
  • Moods (2003). Es la última obra de Mira, dos lienzos de 2x4 m. cada uno, que acabó el mismo día de su muerte y que nunca hasta ahora ha sido mostrada al público. Como relata Ester Romero, "en Moods recupera el sueño de los mundos posibles, se aleja de las tinieblas y del tormento existencial, a los que tan acostumbrado nos tenía, y se sumerge en un mundo onírico sin pesadillas... ha tomado otra vía, otro camino a explorar dentro del alma". 

Cuando se cumplen quince años de la muerte de Víctor Mira, su figura artística ha consegido la atemporalidad. Siguen aflorando series y obras que plantean nuevos interrogantes que obligan a revisitarlo con nuevas miradas. Pero sus obras siguen teniendo el mismo poder provocador, la misma frescura que cuando las hizo en su estudio. Toda su obra testimonia su viaje interior, un viaje poblado de zozobras pero también de promesas, de personajes que intentan rebelarse contra el destino para que este acabe finalmente imponiéndose en toda su crueldad. 

Hoja de sala


04 \ 10 \ 2018

Vicente García Plana. El objeto de la memoria (Espacio Pórtico y Sala 94)

Del 3 de octubre de 2018 al 10 de febrero de 2019

El Objeto de la Memoria es un tránsito por un bosque inmenso de objetos recopilados con deliberada densidad, elementos que se presentan en series numerosas que apenas dejan espacio entre ellas. Los objetos se apilan de la misma manera en que se acumulan los recuerdos en nuestra memoria, muy cerca unos de otros, separados por el brevísimo espacio de tiempo en el que pasamos de una idea a otra, de un recuerdo a otro. La mayor parte de los objetos aquí expuestos carece de valor material o histórico. Su fuerza reside en presentarse como generadores de recuerdos, que activan una memoria personal y colectiva. 

La exposición comienza con el enorme archivo de objetos que vertebra el taller de Vicente García Plana, quien entiende el taller, con su plástica y ordenación, como una obra de arte en sí mismo, un trabajo en permanente proceso, un enorme contenedor formado a su vez por otros contenedores de menor tamaño, y que caracterizan también el conjunto de su obra. Muchos de estos objetos aguardan pacientemente en las estanterías del taller del artista durante meses o años, esperando a ser reinterpretados como parte de un ensamblaje, de una serie de o de una acumulación, pasando a tener una nueva identidad, una nueva oportunidad de ser y ser percibidos.

La muestra continúa con los objetos dispuestos en series y acumulaciones, y concluye con obra artística de reciente factura, donde destacan las Cajas de la memoria como piezas fundamentales. 

La conciencia de la memoria, de la historia personal y la compartida, la reflexión sobre el sentido de lo que somos, fuimos y seremos nos llega a través de estas obras desde ángulos inesperados. La infancia, la familia, el viaje, la amistad, el devenir de la vida, son los temas trascendentales que cohesionan esta exposición acompañándonos en un viaje por la vida a través del río de las cosas. 

Hoja de sala 1

Hoja de sala 2


25 \ 09 \ 2018

Yann Leto. Safari

Del 19 de septiembre de 2018 al 3 de febrero de 2019

Safari, de Yann Leto, reune la última obra del artista, producida para esta exposición gracias a una ayuda a la creación concedida por el Gobierno de Aragón, y que incluye la edición de un catálogo con texto de Nacho Ruiz. 

La muestra gira en torno al concepto del safari visto desde la característica heterodoxia de Leto, quien aprovecha este tema para lanzar al visitante cuestiones como el colonialismo, la violencia, el poder o las élites sociales y la capacidad de influencia de las mismas. Un total de 23 obras, de las cuales tres son dípticos de gran formato, estructuran los tres ámbitos en los que queda organizada la exposición. 

En la muestra hay un claro predominio de la pintura, principalmente óleo y spray sobre lienzo, sin embargo Leto introduce un componente instalativo que se traduce en la expansión del campo de la pintura hacia otros medios que superan el concepto mismo de pintura, una nueva muestra de su heterodoxia que le lleva a utilizar una piel de ternera como soporte para uno de sus óleos, a atravesar sus lienzos con lanzas de ecos africanos -rompiendo la bidimensionalidad de la pintura-, o a introducir una pieza realizada con neón. Además de la especial presencia de una instalación de carácter escultórico compuesta por 27 cabezas en escayola, una grotesca galería de personajes que adquiere la condición de masa observante, de cabezas que casi parecen tornarse trofeos de caza.

Yann Leto (Burdeos, 1979), afincado en España desde hace una década, es esencialemtne pintor, pero sin la limitación de la ortodoxia, de manera que el mensaje se desplaza con frecuencia a lo instalativo, generando un lenguaje en el que la hibridación es clave. El recurso a la ironía no banaliza la crítica sociopolítica. Su pintura, densa, produce imágenes que se conciben a modo de un collage en el que los elementos tipográficos conviven con una revisión intensa de la gran pintura clásica, eliminando el resquicio en el que los huecos y los planos "sin pintura" desaparecen del cuadro. Este collage surge de un trabajo de investigación que lo lleva a acumular discos duros de archivos digitales, imágenes de Google, recortes de prensa y artículos. Sobre este archivo se edifica un acercamiento sin reglas de los protagonistas, un círculo visual emocional que reposiciona al hombre en una sociedad marcada por el desasosiego. 

Hoja de sala


13 \ 09 \ 2018

Pablo Serrano. Retratista retratado (Pl 01)

Desde el 20 de junio de 2018

El IAACC Pablo Serrano inaugura la exposición Pablo Serrano, retratista retratado, en la que se plantea una doble mirada en torno al escultor de Crivillén, tomando el género del retrato como eje central desde el que se observa al escultor, pero también al hombre. La muestra ha sido comisariada desde el centro con fondos propios y el préstamo de tres piezas pertenecientes a colecciones privadas. 

La primera parte de la muestra está dedicada al Pablo Serrano retratista; cómo miró, reinterpretó y modeló la personaldiad de sus coetáneos a través de las Interpretaciones al retrato. Esta zona reúne un total de 18 retratos que conforman una galería de personajes que narra las relaciones personales y profesionales que Serrano entabló a nivel nacional e internacional dentro del mundo artístico y que son una manifestación del lugar que ocupó dentro del contexto cultural de la segunda mitad del siglo XX. 

Me ha interesado siempre la interpretación del retrato. Porque en cada hombre hay un rostro físico y otro metafísico. Me interesa de cada ser humano esto, sus dos espacios: los que vive y habita. Le observo. Lo aprendo. Cuando ya le conozco, lo interpreto. Ya no necesito su presencia física. Más bien me estorba. 

Pablo Serrano

La segunda parte de la muestra se centra en el Pablo Serrano retratado; cómo le vieron e inmortalizaron en sus reportajes algunos de los fotógrafos más importantes de la época, que constituyen la cara pública que el autor quería proyectar de sí mismo.  Se trata de una selección de imágenes del archivo fotográfico del escultor que están estructuradas en diversos ámbitos: el escultor en su estudio, en pleno proceso de creación, en la intimidad de su casa o en sesiones fotográficas de estudio que, vistas en conjunto, perfilan las distintas etapas vitales del autor. Un conjunto fotográfico con valor artístico y documental, que testimonia la creación fotográfica de la época y al Serrano artista en relación con sus obras, en el contexto de su creación. 

La exposición se cierra con una reflexión sobre cómo Pablo Serrano se vio a sí mismo, a partir de dos autoretratos que nos permiten descubrir esa "automirada" en la que se incluye la presencia de Unamuno, personaje con el que Serrano jugaba a la identificación como traslación de la admiración intelectual que setía por él.

Se han organizado visitas guiadas a la exposición a cargo de la comisaria Mª Luisa Grau Tello, en las siguientes fechas:

  • Días: 25 de octubre, 22 de noviembre y 20 de diciembre
  • Hora: 18:30 horas (una hora de duración)
  • Es necesaria reserva previa (máximo 25 personas pro visita) en: difusionmpabloserrano@aragon.es. Especificar nombre, fecha y número de teléfono.

11 \ 06 \ 2018
Gobierno de Aragón
IAACC Pablo Serrano
Paseo María Agustín, 20, 50004 Zaragoza
976 28 06 59 \\\ 976 28 06 60
Aviso legal
Accesibilidad