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2019

  • Frankenstein Resuturado

Del 16 de enero al 17 de febrero

El Gobierno de Aragón organiza esta muestra dentro de la programación de la VI Edición del Festival Aragón Negro, que constituye un resumen del proyecto ideado por Fernando Marías para celebrar el 200 aniversario de la publicación de la novela de Mary Shelley.

"¿Qué habría pasado si la criatura del doctor Frankenstein hubiera vivido desde 1818 hasta hoy?" Esa pregunta se trasladó a 20 escritores y 20 ilustradores, que narraron y visualizaron sus respuestas en un libro titulado Frankenstein resuturado, editado por Alrevés.

La exposición recoge cuatro de esas ilustraciones a gran tamaño y muestra, además, un gran mapa con el itinerario del monstruo por nuestro planeta a lo largo de estos dos siglos.

El Director General de Cultura y Patrimonio, Nacho Escuín, inaugura la exposición que contará además con la presencia del director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón y con Fernando Marías, director del proyecto. El acto de inauguración irá acompañado de la actuación de la poeta Raquel Lanseros, la cantante Rosa Masip, y el guitarrista y compositor Josete Ordóñez, que cerrará el acto con su espectáculo Objetos perdidos, fusión de guitarra e imágenes de cine mudo. 

 

  • Corner expositivo dedicado a Margarita Nuez

Del 20 al 24 de marzo

Dentro de los actos programados con motivo de la Aragón Fashion Week, la turolense Margarita Nuez es homenajeada en el IAACC Pablo Serrano con la presentación de un panel gráfico, diseñado por su hija Patricia Mensa, que albergará uno de los modelos diseñados por la modista. El panel constará de un maniquí con la "glasilla" y otro maniquí con el modelo de costura definitivo.



Nacida en Foz-Calanda (Teruel), reside desde los dos años en Cataluña. Se inició en el arte de la costura en Barcelona con el sastre Joaquín Prades, también aragonés. Las creaciones de Margarita Nuez se han comercializado en boutiques de Estados Unidos, Japón, Noruega y Australia, y sus colecciones se han presentado en Nueva York, Buenos Aires, Osaka, Burdeos y México. Su prestigio internacional la sitúa como una de las principales representantes de la nueva moda española pero sobre todo es conocida por ser la responsable de gran parte de los estilismos de la reina Sofía desde hace más de 20 años. Destaca por los trajes de chaqueta diseñados para la Reina y utilizados en los actos oficiales. Su traje más destacado es el vestido que inmortalizó el famoso Pintor Antonio López en su retrato oficial de la Familia Real y el vestido que llevó la reina Sofía en la boda de su hijo, Felipe VI, en 2004.

 

 

  • XXIV edición  de Arte Contemporáneo ASPANOA 2019

Del 2 al 14 de abril de 2019

El IAACC Pablo Serrano acoge la XXIV Edición de la exposición y venta de Arte Contemporáneo de Aspanoa 2019, considerada una de las principales muestras coletivas de Aragón. Un total de 96 artistas se han unido para apoyar a la asociación, con figuras ya históricas de la cultura aragonesa y española como Eva Armisén, Pedro Avelláned, Natalio Bayo, José Beulas, David Callau, Aurora Charlo, Julia Dorado, Rafael Navarro, Teresa Ramón o Juan José Vera.

Aspanoa es la asociación que atiende a los niños con cáncer de Aragón y sus familias. Fundada en 1988 por padres afectados y declarada de utilidad Pública por el Gobierno de España desde 1995, sus objetivos son mejorar la calidad de vida de los niños con cáncer, apoyar a sus padres e impulsar la investigación contra el cáncer infantil. Los artistas que participan donan una obra y el 100% de los beneficios obtenidos se destinan a prestar ayuda a los niños con cáncer de Aragón y a las familias, a través de servicios tan importantes como apoyo psicológico y social, fisioterapia, musicoterapia, evaluación y rehabilitación de secuelas, actividades de ocio y tiempo libre o un piso de acogida junto al Hospital Infantil para las familias desplazadas.

Para el éxito social de esta muestra es fundametnal la colaboración de la Dirección General de Cultura y de las empresas Joarjo y Laboral Kutxa, patrocinadoras de la actividad. En palabras del director general de Cultura y Patrimonio, Nacho Escuín, que ha loado la labor de Aspanoa, "hacer cultura con carácter solidario y compremetido representa una de las preocupaciones de nuestro tiempo y es lo que intentamos hacer, museos más abiertos, más accesibles y más sociales"

Catálogo

 

  • Juana Francés. Una voluntad investigadora

Del 23 de enero al 5 de mayo

Juana Francés, una voluntad investigadora, es una exposición producida por el Gobierno de Aragón y comisariada por María Pilar Sancet.

La exposición, un total de 54 obras de la artista, queda estructurada en torno a distintas etapas en las que configura su creación abstracta:
 

  • Informalismo, a través de las "Tierras" y "Pueblos y tierras de España", con creaciones en las que trabajó con arenas sobre arpillera que darán paso a una obra intensamente matérica, en la que incorporará materiales de desecho domésticos y de construcción.
  • El hombre y la ciudad, donde se adentra en la situación del ser humano en el contexto de la gran ciudad y un mundo industrializado que supone su cosificación, deshumanización y conversión en un engranaje; un discurso que se plasma en homúnculos, personajes creados por ella mediante materiales de desecho industriales.
  • Fondos submarinos y Cometas, serie en la que la pintora se despoja de la carga narrativa y dramática anterior para presentar el fondo del mar y el cielo en movimiento.

Destacan por su singularidad una de las pocas cajas de luz que creó la autora, una pieza de joyería diseñada por ella misma y las tres "Torres Participación" procedentes del IAACC Pablo Serrano, el IAVM y el MACA. Junto a las obras de Francés se incluyen cuatro esculturas de Pablo Serrano (Ritmos en el espacio, Bóvedas para el hombre, Fajaditos y Unidad-Yunta) que dialogan con la pintura realizada en cada etapa por al artista y que permiten ilustrar cómo se influyeron ambos autores entre sí. Incluye, además, un audiovisual donde se repasa la obra de Juana Francés y que ha sido realizado por los alumnos del Grado de Iluminación, fruto de la colaboración establecida entre el CPIFP Los Enlaces y el IAACC Pablo Serrano.

La exposición ofrece, por primera vez, la posibilidad de ver reunida la obra de Juana Francés conservada en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, el IVAM, el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante y el IAACC Pablo Serrano, las cuatro instituciones entre las que la artista repartió su obra. La exposición también incluye obras de otras instituciones como la Diputación Provincial de Alicante y la Fundación CAI, así como la colaboración de particulares. 

Hoja de sala

 

  • El siglo de Balenciaga

Del 20 de febrero al 19 de mayo

La exposición El Siglo de Balenciaga, ha reunido más de 80 fotografías, numerosos documentos gráficos, 7 pinturas, 36 trajes y un gran número de complementos, procedentes en su mayor parte de colecciones privadas. Recoge asimismo los hitos más importantes de la trayectoria de Balenciaga, los lugares que frecuentó, sus talleres, las mujeres a las que vistió y una representación de algunos de sus diseños de alta costura más célebres. No podían faltar las conexiones de Balenciaga con otros creadores: Pedro Rodríguez, Hubert de Givenchy, Emanuel Ungaro, André Courrèges, Elio Berhanyer, Asunción Bastida, Carmen Mir, así como el turolense Manuel Pertegaz y el zaragozano Pedro Esteban. Una selección de la producción de todos ellos se ha exhibido en el IAACC Pablo Serrano contextualizada con la producción artística de esos mismos años del aragonés Salvador Victoria.

La exposición también ha incluido algunas alusiones a los vínculos del maestro de Guetaria con Zaragoza, como Meyes, una de sus modelos más destacadas, los trajes de sus clientas zaragozanas, o incluso su última aventura empresarial en Tarazona, inconclusa por el fallecimiento del maestro. También tienen un papel destacado la influencia goyesca en el Maestro de Guetaria, a través de algunos de sus elementos más característicos como las mantillas de encaje.

Cristobal Balenciaga (1895-1972) está considerado hoy, así como durante toda su carrera, el más grande modisto de la historia de la moda. Nacido en Guetaria y fallecido en Javea, abre en San Sebastián su primera Casa de costura en 1915 y en 1937 se instala en París.

Con tres casas de costura en España (Barcelona, San Sebastián y Madrid), llamadas EISA en homenaje al apellido de su madre, Eisaguirre, viste a toda la aristocracia mundial, a las más ricas mujeres de multimillonarios, a la gran burguesía, así como a las actrices más prestigiosas, Elizabeth Taylor, Ava Gardner, María Félix, Ingrid Bergman o también a la princesa Grace de Mónaco. Sus gustos y sus intuiciones señalan las tendencias de cada época. Cada nueva colección, en la que las formas, los colores, los tejidos y las materias se trabajan de una manera sorprendente e innovadora, fue siempre seguida por sus contemporáneos.

El Siglo de Balenciaga nos hace descubrir por primera vez algunos de sus secretos, con imágenes inéditas de los trajes hasta ahora nunca vistos, y también, el universo de su atelier, sus gustos artísticos, así como sus influencias a través de la pintura. 

Hoja de sala

 

  • CEDES. PINCELADAS LIBRES. SOMOS ARTE

Del 6 de marzo al 30 de junio

Pinceladas libres. Somos arte da nombre a un proyecto innovador desarrollado por Fundación CEDES con el fin de ahondar en el análisis de perspectivas del arte contemporáneo entendido como herramienta social. El proyecto ha sido llevado a cabo por la artista Cristina Huarte a través de talleres creativos que desarrolla con los usuarios de CEDES y que están dirigidos a mejorar la calidad de vida de las personas con discapacidad intelectual o autismo y profundizar en el conocimeinto del ser humano, de sus capacidades, potencialidad y necesidades para alcanzar su realización y extraerlas a través del arte.

El resultado es un conjunto de trabajos de pintura y escultura, donde se mezclan materias y colores más allá de todo convencionalismo y que debe interpretarse como una descarga de emociones a través de materiales visuales: la creación plástica ayuda a desvelar y liberar lo que está oculto en nuestro interior. La muestra se completa con una instalación realizada en la zona del torreón a partir de la lana, un tejido que ha estado presente en las actividades creativas desarrolladas en los talleres y que está entendida como una obra abierta a la participación del público para que éste deje su "pincelada libre".

Fundación CEDES es una entidad de carácter social y sin ánimo de lucro, con más de veinticinco años de experiencia en el campo asistencial, dedicada a la atención de niños, jóvenes y adultos con discapacidad intelectual y del desarrollo. Tiene como objetivo mejorar la calidad de vida promoviendo acciones, apoyos y servicios que generen oportunidades para llevar a cabo un proyecto de vida pleno, favoreciendo al máximo su desarrollo personal, autonomía, inclusión y participación activa en el entorno comunitario. 

Hoja de sala

 


18 \ 02 \ 2019

2018

  • HNegra

Del 17 de enero al 18 de marzo de 2018

La literatura y el cine de género negro relegaron durante décadas a los personajes femeninos a meras comparsas, casi siempre mujeres fatales o novias redentoras sin otra proyección. HNegra surge del deseo de reivindicar a los personajes femeninos del género negro y policial.

Con este objetivo, la editorial Alrevés, máxima exponente de la literatura negra independiente de nuestro país acogió el proyecto ideado y dirigido por Fernando Marías; reunir a veintidós escritoras españolas para que escribiesen otros tantos relatos de género protagonizados por una mujer que no podía ser policía ni representante de la ley. A su vez, veintidós ilustradores fueron convocados para crear una versión visual de los relatos. El trabajo de estos ilustradores conforma la exposición HNegra, comisariada por Gonzalo Pernas dentro de los actos de Aragón Negro.

El libro HNegra, que sirve de catálogo de la exposición, cosntituye una mirada múltiple, una mirada de cuarenta y cuatro miradas, sobre las mujeres del género negro. La muestra recoge las veintidós ilustraciones de HNegra y seis retroproyecciones de otros tantos personajes femeninos de la colección, un verdadero sexteto de heroínas a tamaño real.

 

  • Tranvía Teatro 1987-2017: Los 30 primeros años de una Compañía

Del 20 de diciembre de 2017 al 1 de abril de 2018

El IAACC Pablo Serrano acoge esta muestra organizada por el Departamento de Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón. Una muestra que conmemora el trigésimo aniversario de la compañía y que permite realizar un recorrido en el tiempo por las inciativas, actividades y espectáculos de la compañía zaragozana, titular del Teatro de la Estación.

La exposición da a conocer muchos de los espectáculos estrenados, los primeros pasos de la compañía, los motivos que impulsaron su formación. Fotos, recuerdos, vestuario, escenografías, atrezzo, programas, entradas, carteles y otros materiales conforman la muestra, que va desgranando los detalles de estos 30 años de vida, en los que el motor y el alma han sido las personas. Por eso se dedica también un lugar especial a todos los que han formado parte de este camino en un momento o en otro. También estará presente el Teatro de la Estación, sala que Tranvía Teatro generó en 1996 para convertirla en su casa y donde se han realizado múltiples proyectos de trabajo colaborativo, educativo, social y cultural, que la han convertido en un referente nacional e internacional.

La construcción de un espectacular teatro de 200 localidades dentro del Museo permitirá realizar múltiples actividades como representaciones teatrales para público general, proyecciones, etc. 

Hoja de sala

 

  • Plain happy -Felicidad absoluta

Del 24 de enero al 8 de abril de 2018

Plain Happy gira en torno a la preocupación de su autor, Sergio Muro, por la manera actual de comunicarnos, principalmente con el móvil, en una socidad inmersa en la era digital, la cual está presente con nosotros 24 horas y ha cambiado nuestra forma de vivir e interrelacionarnos. El título presenta con ironía esa necesidad actual de tener que "colgar" en las redes fotos y selfings donde siempre somos felices y, en cierta medida, aparentar ante esta legión de followers, sin pararnos a pensar que lo que prevalece con esas acciones es nuestra soledad y nuestro vacío existencial. Está muy presente en su obra plástica, lienzos, murales e instalación de dibujos. Las piezas nos llevan a reflexionar sobre el exhibicionismo y voyeurismo en las redes, donde se elimina toda privacidad, donde estamos siempre expuestos. Este mismo argumento lo conduce a su propia personalidad artística, ya que él con sus acciones y proyectos artísticos siempre se expone y se exhibe en todas las acepciones. Se expone físicamente, y se expone a la crítica y a la mirada. Aquí es donde enlaza con su disciplina más habitual, la performance, donde el creador es la obra de arte y donde todas las disciplinas conviven encajando como un puzzle.

Murales, lienzos de gran formato y pequeño formato, dibujos, la videocreación titualda Yo soy la obra, fotografías y vídeos de sus performances..., una amplia variedad de manifestaciones artísticas que van encajando como las piezas de un puzzle.

Hoja de sala

 

  • XXIII Exposición de Arte Contemporáneo ASPANOA 

Del 17 al 29 de abril de 2018 

Aspanoa inaugura su XXIII Exposición y venta de arte contemporáneo en la Sala 00 del IAACC Pablo Serrano. En esta ocasión se han reunido un total de 92 obras de artistas ya consagrados en la pintura aragonesa y española; los ingresos que se obtengan por su venta irán destinados a financiar los servicios que Aspanoa ofrece a los niños con cáncer en Aragón y a sus familias.

Entre los artistas participantes están Miguel Ángel Arrudi, Eva Armisén, José Beulas, Carlos Blanco, Julia Dorado, Igancio Fortún, Carlos García Lahoz, Víctor Mira, Pilar Moré, Daniel Sahún...... y los Premios Aragón Goya Pedro Avelláned, Natalio Bayo, Julia Dorado, Rafael Navarro, Teresa Ramón y Juan José Vera. Además de seis académcios de la Real Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis.

En la rueda de prensa se ha contado con la presencia del Director General de Cultura y Patrimonio, Nacho Escuín; el director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón; y el gerente de Aspanoa, Juan Carlos Acín. Les acompañarán una selección de artistas jóvenes ya consolidados que colaboran desde hace años con el proyecto de Aspanoa: Aljandro Monge, Marisa Royo, Jaime Sanjuán e Ira Torres. 

 

 

  • Natalio Bayo. Variaciones Goyescas

Del 31 de enero al 20 de mayo

Exposición que se celebra con motivo de la concesión del Premio Aragón – Goya 2014 al artista, destacando por parte del jurado “su vitalidad creativa, su versatilidad, su profundo conocimiento de toda la técnica y género artístico y la creación de un universo plástico con un imaginario propio que incluye una visión personal de Goya y de Aragón”.

En esta muestra, Natalio Bayo aborda los Desastres de la guerra y las Pinturas negras en dos series de obras pictóricas, realizadas expresamente en 2017 para esta exposición. Se trata de 38 obras de técnica mixta (creta y tinta china) sobre cartón y 10 óleos sobre yute, que conforman sus Variaciones sobre los Desastres de la Guerra y sus Inspiraciones sobre las Pinturas Negras, en las que el artista recrea el dramatismo, la atrocidad y el espíritu crítico de las estampas y frescos de Goya, pasados por el personal filtro de Bayo. La exposición incorpora además dos series de grabados al aguafuerte y al aguatinta, según los Caprichos e Inspiraciones disparatadas, editadas en 1996 y 2014 respectivamente. En conjunto se trata de un diálogo del pintor con la obra de Goya, a la que doscientos años después considera plenamente actual.

Natalio Bayo (Épila, Zaragoza, 1945) recibe el Primer Premio “San Jorge” de pintura en 1970, otorgado por la Diputación Provincial de Zaragoza, destacándole como joven promesa, una distinción que le sirvió de acicate para dedicar toda su vida a la creación artística. En 2014 el Gobierno de Aragón le concede el Premio Aragón-Goya en reconocimeinto a toda su trayectoria artística, con cuyo motivo el pintor agradecido por tan honrosa distinción ha realizado la presente muestra.

Entre estos dos premios, y a lo largo de más de cuarenta y cinco años, transcurre una vida dedicada plenamente a la pintura en la que ha recorrido un largo camino, optando decidiamente por la figuración. 

Hoja de Sala

 

  • Gráfica 20. Obras seleccionadas de la Colección Circa XX

Fundación Santa María de Albarracín, del 24 de marzo al 27 de mayo de 2018

Las salas del Museo de Albarracín y de la Torre Blanca acogen conjuntamente la exposición Gráfica 20. Obras seleccionadas de la Colección Circa XX.

Impulsada por el Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX, recoge 20 obras seleccionadas del fondo de obra gráfica de la Colección Circa XX, que pertenece a los fondos del IAACC Pablo Serrano. Esta selección de obras, fruto de la labor de creadores de reconocido prestigio nacional e internacional, ofrecen una panorámica global de las corrientes artísticas de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI, reivindicando la obra gráfica sobre papel como forma de expresión artística de primer nivel. Comisariada por Fernando Sarría, el visitante podrá disfrutar con obras de destacadas figuras del ámbito internacional como son Francis Bacon, Louis Bourgois o Alexander Calder, así como de relevantes artistas del movimiento Pop-art como Roy Lichtenstein, James Rosenquist o el Equipo Crónica, y creaciones de grandes figuras nacionales con obras de Joan Miró, Picasso, Manuel Rivera o los aragoneses Antonio Saura y José Manuel Broto.

 

  • ModPortrait 2017. Pintura realista

Del 30 de mayo al 17 de junio de 2018

ModPortrait 2017. Pintura realista es una exposición organizada por la Galería virtual Artelibre en colaboración con Barcelona Academy of Art, Artemiranda.es y el Museo MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona). La muestra presenta las obras finalistas de la V Edición del Concurso ModPortrait2017, siendo el primer certamen internacional de pintura figurativa dedicado de forma exclusiva al retrato y uno de los más destacados del arte contemporáneo figurativo.

Galería Artelibre ha reunido, en torno a este certamen, a una serie de artistas internacionales en la modalidad de Retrato, donde se pretende realzar la figuración y el academicismo, fruto de grandes ideas y de un trabajo concienzudo y elaborado, concediendo especial importancia al arte realista e hiperrealista. El primer premio de esta edición ha recaído en la obra del artista Conor Walton (Irlanda, 1970). La obra The Key retrata a su hijo Daniel con "la llave de la vida en su mano". 

Hoja de sala 

 

  • 3 Artistas, 6 Espacios

Del 15 de mayo al 19 de agosto

El IAACC Pablo Serrano inaugura con esta exposición una nueva zona de creación dedicada a producciones site-specific en la que tres autores, bajo un tema común, intervienen y transforman los seis ámbitos que vertebran el Espacio Pórtico. Tomando como referencia el lema del ICOM para el Día de los Museos 2018 Museos hiperconectados: Enfoques nuevos, públicos nuevos, el hilo conductor sobre el que discurren las tres intervenciones corresponde al fenómeno de la hiperconexión.

OPN Studio, Natalia Escudero y Miguel Ángel Gil Andaluz son los autores que abren este proyecto y con los que se busca ofrecer al espectador tres reflexiones sobre el concepto de hiperconexión nacidas de planteamientos conceptuales y disciplinas artísticas totalmente distinas, todas ellas centradas en distintos aspectos de la comunicación. OPN Studio pone el acento en el individualismo y la epidemia de soledad que padece la sociedad actual; Natalia Escudero reflexiona sobre los cambios que experimenta la lengua y la construcción de relatos colectivos; Miguel Ángel Gil Andaluz alerta sobre el aislamiento social a consecuencia de una hiperconexión mal entendida.

Los artistas abordan a través de su creación cuestiones como: ¿Sabemos manejar los nuevos medios de comunicación o ellos nos manejan a nosotros? ¿Cómo nos afecta y qué nos aporta su uso en nuestro día a día? ¿Somos capaces de discernir distorsión y veracidad dentro de la información que nos ofrecen? Al mismo tiempo suscitan nuevas reflexiones, como su estar conectado es sinónimo de estar mejor comunicado.

 

  • CRISTINA HUARTE. Aún no estás sola

Del 25 de abril al 2 de septiembre

Aún no estás sola es el título de la muestra de Cristina Huarte donde muestra un enigmático universo de relaciones tormentosas y violentas. El dibujo es el eje que vertebra la creación de estas obras, realizadas sobre distintos soportes como el lienzo, la tabla, el papel y el metal, y recurriendo a la experimentación con técnicas como el dibujo con soplete, la utilización de placas de pizarra sometida a procesos con ácidos o la incorporación de rosa y hojas de árboles. Esta exposición reúne piezas de las series Snippets, Tristeza sin donde, She likes to burn, Hija del viento y Piedra y sol; algunos escritos procedentes de los diarios de la artista, poemas de escritores, libros y objetos, en un recorrido autobiográfico realizado por la artista en los últimos tres años, cuyo título lo toma prestado de un poema del poeta Ángel Guinda. Para este proyecto Huarte se ha inspirado en algunas figuras literarias que son clave en su proceso artístico: Luis Cernuda, Juan Ramón Jiménez, Miguel Labordeta y Fernando Pessoa.

La propuesta artística de Cristina Huarte se dirige al espectador insistiendo en la sensación por encima de lo intelectual; es directa, sin intermediarios retóricos ni imposturas que simulen un discurso plástico ya referenciado. En su pintura hay ruptura, tensión, vértigo vital..., una invitación a cuestionar lo que somos y lo que no queremos ser.

Cristina Huarte (Zaragoza, 1988) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en 2011. Sus trabajos hacen referencia a la figura humana, la ansiedad y la soledad. Tras exponer su proyecto El gesto interior en la Sala Luzán en 2013 se traslada a Berlín con una beca del programa Artistas en residencia "GlogauAir". Allí iniciará su siguiente trabajo que expone bajo el título Sombras breves en el Palacio Montemuzo. En la actualidad coordina el proyecto Somos Arte en la fundación CEDES, entidad comprometida con las personas con discapacidad y problemas del desarrollo.

Hoja de sala

 

  • ESPACIO VISIONES. El susurro en el paisaje

Del 29 de agosto al 23 de septiembre

El Susurro en el paisaje es una exposición de Land Art realizada por más de 20 usuarios de Espacio Visiones, junto a voluntarios y trabajadores, guiados por el artista medioambiental Nacho Arantegui. Se compone de 6 obras realizadas site specific con elementos de la naturaleza en un proceso que ha llevado 18 meses de trabajo, desde la recolección de materiales en el entorno de las Riberas del Ebro y otros puntos de la provincia de Zaragoza, hasta la creación de las piezas escultóricas, que podrán visitarse hasta el 23 de septiembre.

La actual exposición forma parte del proyecto europeo ArtBILITIES: Everyone is an Artist, un proyecto que busca desarrollar metodologías de aprendizaje no formal para conseguir la inclusión social de personas con diversidad funcional a través de diferentes disciplinas artísticas y la expresión creativa. ArtABILITIES persigue trabajar sobre el estigma, el aislamiento, la exlcusión social y la dificultad de acceso al mundo cultural y artístico a través de la sensibilización, el empoderamiento, la creación de espacios participativos y el acercamiento de actividades culturales y artísticas.

El proyecto se ha desarrollado en Espacio Visiones, centro de expresión artística de la Fundación Rey Ardid para personas con diversidad funcional por enfermedad mental, con el objetivo de favorecer su integración social y fomentar su participación ciudadana a través del arte, generando un proyecto colaborativo con diferentes colectivos, ámbitos y entidades. 

 

  • ANA PALACIOS. Niños esclavos. La puerta de atrás

Del 27 de junio al 30 de septiembre

Niños esclavos. La puerta de atrás, es una muestra fotográfica de la fotoperiodista Ana Palacios, cuyo objetivo es documentar la esclavitud, el rescate, la rehabilitación y la devolución a sus familias de niños víctimas de trata en África Occidental, la región con más niños esclavos del mundo. Esta exposición relata las historias de vida de más de cincuenta niños esclavos que han conseguido encontrar, abrir y atravesar esa "puerta de atrás" para recuperar su infancia interrumpida. Unos protagonistas que luchan por entender, aceptar y olvidar un pasado lleno de abusos y que cuentan con el apoyo de ONG y otras instituciones que les acompañan en su proceso.

La exposición se enmarca en un proyecto más amplio, apoyado desde el Comité Español de UNICEF, e incluye además un libro y un documental fruto de una investigación rigurosa y exhaustiva, que visibiliza y sensibiliza esta grave vulneración de los derechos humanos de la infancia a través del arte de la fotografía y el cine.

Ana Palacios (Zaragoza, 1972) es periodista y fotógrafa. Después de más de quince años trabajando en la producción de cine internacional emprende el camino profesional de la fotografía documental vinculada a la infancia y a los derechos humanos en África subsahariana, con el único objetivo de mostrar realidades invisibles y sensibilizar a quien quiera mirar a este lado. Ha sido galardonada con diferentes premios internacionales y ha publicado los libros Art in Movement, que aborda el arte como herramienta para el cambio social en Uganda, y Albino, en el que documenta el drama de los albinos en Tanzania. Niños esclavos. La puerta de atrás es su tercer libro y el primer documental que dirige.

El acto de inauguración comienza a las 19:00 con un coloquio modreado por Marta Isabel González, en el que participarán la Consejera de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón, Mayte Pérez; el director ejecutivo de UNICEF, Javier Martos; el comisario de la muestra, Chema Conesa; la coordiandora del centro "Kekeli" de las Caremlitas Vedrunas en Togo, Gabriele Muntukwuaku; el misionero Javier Zudaire, y la fotoperiodista y autora del proyecto, Ana Palacios.

 

  • GRÁFICA 20. OBRAS SELECCIONADAS DE LA COLECCIÓN CIRCA XX

Del 6 al 30 de septiembre de 2018, Sala de Exposiciones del Ayuntamiento de Alcañiz

La exposición Gráfica 20 constituye una selección de obras de relevantes figuras de reconocido prestigio nacional e internacional, una panorámica de las corrientes artísticas de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI, que reivindica la obra gráfica sobre papel como forma de expresión artística de primer nivel.

Impulsada por el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX, ha sido comisariada por el conservador de la colección, Fernando Sarría.

Bacon, Calder, Christo, Equipo Crónica, Gordillo, Miró, Picasso, Broto, Saura, Tapies y Zóbel, entre otros, están representados en esta muestra cuyas obras se integraron en la Colección estable del IAACC Pablo Serrano procedente de la Colección Circa XX. Entre sus más de 1200 obras, cuenta con un relevante fondo de obra gráfica que la convierten en referente nacional, tanto por la calidad de las obras como por los autores representados. El Gobierno de Aragón, a través de sus exposiciones temporales, promueve su exhibición y difusión en distintas localidades aragonesas.

 

 

 

  • HIERROS ENCONTRADOS Y SOLDADOS: QUIJOTE

Del 6 de julio al 14 de octubre

El Museo de Bellas Artes de Asturias expone Hierros encontrados y soldados: Quijote, una obra emblemática dentro de la renovación del arte español que lideró el grupo "El Paso". Se trata de una escultura de la serie Hierros, también conocida como La ordenación del caos, que marca un momento clave de su producción al representar "su total inmersión en la abstracción informalista", como indica Julio Ramón, director del Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos, institución que presta la obra. La obra es del año 1957, año en el que Serrano participa en la creación del grupo "El Paso" junto a otros creadores como Antonio Suárez, Antonio Saura, Rafel Canogar, Martín Chirino o Manolo Millares. Fue, de hecho, una de las piezas seleccionadas por Serrano para la primera exposición del grupo: la mítica muestra en la galería Buchholz, inaugurada el 15 de abril de 1957. De ahí que, además de su incuestionable calidad como obra de arte, tenga un valor adicional por ser una pieza emblemática de un momento de renovación del arte español de posguerra.

La escultura, que ha llegado al museo asturiano a través del programa "La obra invitada", ha permanecido expuesta en Oviedo hasta le 14 de octubre.

 

 

 

  • MIGUEL FLETA. El hombre y el mito

Del 16 de mayo al 14 de octubre

El IAACC Pablo Serrano acoge la exposición Miguel Fleta. El hombre y el mito, una muestra organizada por el Gobierno de Aragón en colaboración con la Asociación Aragonesa de la Ópera "Miguel Fleta" y con un total de 31 instituciones, públicas y privadas, con motivo del 80 aniversario de la muerte del tenor aragonés. La exposición ha sido comisariada por Sergio Castillo y Alejandro Martínez.

La muestra está dividadia en 5 zonas:

Presentación Se contextualiza la muerte de Miguel Fleta en mayo de 1938, en tiempos de la Guerra Civil.
Zona 1. Aragonés universal. Nacido en Albalate de Cinca (Huesca) en diciembre de 1987, este espacio describe el despegue y formación de Fleta como cantante, incluyendo sus primeras actuaciones en Europa y recapitulando sus nexos con Aragón; se hace especial hincapié en sus estudios en el Conservatorio del Liceo y la relación sentimental con su primera pareja y maestra, Luisa Pierrick.
Zona 2. El gran tenor. Espacio central de la muestra donde se aborda el fenómeno vocal de Fleta en sus años de máximo apogeo y su vinculación con el cine. Se presta atención a sus numerosas grabaciones.
Zona 3. Ídolo de masas. Miguel Fleta fue mucho más que un gran cantante de ópera en los años 20 y 30 del pasado siglo. Ovacionado y seguido por los medios y las multitudes, fue una figura enormemente conocida en una época en que la lírica estaba lejos de las aficiones más populares de los españoles.
Zona 4. Ideología y conciencia social. El periodo que comprende la vida profesional de Miguel Fleta coincidió con el reinado de Alfonso XIII, la Dictadura de Primo de Rivera, la II República y la Guerra Civil, que no llegó a ver finalizada. Se estudian aquí sus relaciones con la clase social y política de este corto e intenso período, sin olvidar su faceta más solidaria y próxima a los más necesitados.
Los visitantes de la muestra podrán contemplar fotografías inéditas, progamas de mano, carteles, contratos, revistas, discos, películas, documentación personal, etc. Se incluye también una intervención del artista plástico Paco Simón, titulada "Fleta iluminado".

 

  • VÍCTOR MIRA. Viaje de una generación


Del 10 de octubre de 2018 al 6 de enero de 2019

Viaje de una generación reúne un conjunto de obras, prácticamente inéditas, realizadas en los últimos 10 años de la vida de Víctor Mira. Un recorrido a través de 23 óleos y 14 fotografías intervenidas por el artista, que conforman 4 conjuntos de obras de su última etapa, algunas de ellas nunca mostradas al público. Comenzando por el Autorretrato, que abre la exposición, la muestra incluye los siguientes conjuntos de obras:

  • Los Golpeados (1993). Carpeta con 12 fotografías en blanco y negro manipuladas, en las que artistas del siglo XX, desde Jean Renoir a James Joyce, Sylvia Plath o Marilyn Monroe aparecen rerpesentados por cadenas de gruesos eslabones. En los retratos queda oculto uno de los extremos de la cadena, pero resulta obvio que quien les amarra es la misma sociedad que les admira. La cadena de esos personajes es, también en parte, su cordón umbilical, que les mantiene unidos a aquello que les proporciona su alimento. 
  • La Última Cena (1998-1999): Políptico de 16 metros compuesto por 13 óleos, con una visión personal del artista sobre el tema del Evangelio. Según narra Ester Romero, el artista "no enmarca a los personajes dentro de un cenáculo ante una mesa, sino que representa a los discípulos sentados sobre unos austeros asientos de madera unidos entre sí y soportados por Jesús, que grita de dolor ante el peso del pecado en el mundo. Este grito de sacrificio, que nos recuerda a Munch, es el reflejo del horror ante la frágil fortaleza de la virtud y la muestra de lo sencillo que resulta la corrupción del alma. Ese Jesús que aúlla es, en buena medida, un autorretrato de Víctor Mira; y los apóstoles son antihéroes enfrentados a la miseria humana, contemplando escenas como la explosión de la bomba atómica o un convoy de soldados españoles de la División Azul.
  • Mood. El cielo de las mujeres (2001-2003). Un cartón y un lienzo vinculados con El cielo de las mujeres, pieza tetral que Víctor Mira terminó en 2002 y cuyo estreno no llegó a ver. La obra reflexiona sobre la incomunicación fundiendo lo simbólico, lo existencial y lo grotesco.
  • Moods (2003). Es la última obra de Mira, dos lienzos de 2x4 m. cada uno, que acabó el mismo día de su muerte y que nunca hasta ahora ha sido mostrada al público. Como relata Ester Romero, "en Moods recupera el sueño de los mundos posibles, se aleja de las tinieblas y del tormento existencial, a los que tan acostumbrado nos tenía, y se sumerge en un mundo onírico sin pesadillas... ha tomado otra vía, otro camino a explorar dentro del alma".

Cuando se cumplen quince años de la muerte de Víctor Mira, su figura artística ha consegido la atemporalidad. Siguen aflorando series y obras que plantean nuevos interrogantes que obligan a revisitarlo con nuevas miradas. Pero sus obras siguen teniendo el mismo poder provocador, la misma frescura que cuando las hizo en su estudio. Toda su obra testimonia su viaje interior, un viaje poblado de zozobras pero también de promesas, de personajes que intentan rebelarse contra el destino para que este acabe finalmente imponiéndose en toda su crueldad.

Hoja de sala

 

  • YANN LETO. Safari

Del 19 de septiembre de 2018 al 3 de febrero de 2019

Safari, de Yann Leto, reune la última obra del artista, producida para esta exposición gracias a una ayuda a la creación concedida por el Gobierno de Aragón, y que incluye la edición de un catálogo con texto de Nacho Ruiz.

La muestra gira en torno al concepto del safari visto desde la característica heterodoxia de Leto, quien aprovecha este tema para lanzar al visitante cuestiones como el colonialismo, la violencia, el poder o las élites sociales y la capacidad de influencia de las mismas. Un total de 23 obras, de las cuales tres son dípticos de gran formato, estructuran los tres ámbitos en los que queda organizada la exposición.

En la muestra hay un claro predominio de la pintura, principalmente óleo y spray sobre lienzo, sin embargo Leto introduce un componente instalativo que se traduce en la expansión del campo de la pintura hacia otros medios que superan el concepto mismo de pintura, una nueva muestra de su heterodoxia que le lleva a utilizar una piel de ternera como soporte para uno de sus óleos, a atravesar sus lienzos con lanzas de ecos africanos -rompiendo la bidimensionalidad de la pintura-, o a introducir una pieza realizada con neón. Además de la especial presencia de una instalación de carácter escultórico compuesta por 27 cabezas en escayola, una grotesca galería de personajes que adquiere la condición de masa observante, de cabezas que casi parecen tornarse trofeos de caza.

Yann Leto (Burdeos, 1979), afincado en España desde hace una década, es esencialentne pintor, pero sin la limitación de la ortodoxia, de manera que el mensaje se desplaza con frecuencia a lo instalativo, generando un lenguaje en el que la hibridación es clave. El recurso a la ironía no banaliza la crítica sociopolítica. Su pintura, densa, produce imágenes que se conciben a modo de un collage en el que los elementos tipográficos conviven con una revisión intensa de la gran pintura clásica, eliminando el resquicio en el que los huecos y los planos "sin pintura" desaparecen del cuadro. Este collage surge de un trabajo de investigación que lo lleva a acumular discos duros de archivos digitales, imágenes de Google, recortes de prensa y artículos. Sobre este archivo se edifica un acercamiento sin reglas de los protagonistas, un círculo visual emocional que reposiciona al hombre en una sociedad marcada por el desasosiego.

Hoja de sala

 

  • VICENTE GARCÍA PLANA. El objeto de la memoria

Del 3 de octubre de 2018 al 10 de febrero de 2019

El Objeto de la Memoria es un tránsito por un bosque inmenso de objetos recopilados con deliberada densidad, elementos que se presentan en series numerosas que apenas dejan espacio entre ellas. Los objetos se apilan de la misma manera en que se acumulan los recuerdos en nuestra memoria, muy cerca unos de otros, separados por el brevísimo espacio de tiempo en el que pasamos de una idea a otra, de un recuerdo a otro. La mayor parte de los objetos expuestos carece de valor material o histórico. Su fuerza reside en presentarse como generadores de recuerdos, que activan una memoria personal y colectiva.

La exposición comienza con el enorme archivo de objetos que vertebra el taller de Vicente García Plana, quien entiende el taller, con su plástica y ordenación, como una obra de arte en sí mismo, un trabajo en permanente proceso, un enorme contenedor formado a su vez por otros contenedores de menor tamaño, y que caracterizan también el conjunto de su obra. Muchos de estos objetos aguardan pacientemente en las estanterías del taller del artista durante meses o años, esperando a ser reinterpretados como parte de un ensamblaje, de una serie de o de una acumulación, pasando a tener una nueva identidad, una nueva oportunidad de ser y ser percibidos.

La muestra continúa con los objetos dispuestos en series y acumulaciones, y concluye con obra artística de reciente factura, donde destacan las Cajas de la memoria como piezas fundamentales.

La conciencia de la memoria, de la historia personal y la compartida, la reflexión sobre el sentido de lo que somos, fuimos y seremos nos llega a través de estas obras desde ángulos inesperados. La infancia, la familia, el viaje, la amistad, el devenir de la vida, son los temas trascendentales que cohesionan esta exposición acompañándonos en un viaje por la vida a través del río de las cosas.


Hoja de sala 1

Hoja de sala 2

 

  • OBJETIVO MORDZINSKI. Un viaje al corazón de la literatura hispanoamericana

Del 31 de octubre de 2018 al 10 de marzo de 2019

Objetivo Mordzinski es una aproximación fotográfica a la creación literaria hispanoamericana, desde la mirada del artista Daniel Mordzinski, quien trabaja retratando escritores desde hace más de tres décadas y cuenta entre su obra con numerosas publicaciones de fotografía sobre la literatura y, de forma particular, sobre las letras en lengua española.

La exposición, integrada por 240 fotografías en su mayoría inéditas y de nueva producción, es un proyecto en marcha para seguir construyendo esa geografía intangible pero bien visible para lectores y espectadores de todo el mundo, que es la literatura en español, y reivindicar no sólo su importancia sino también la del propio español como idioma, industria y marca de identidad en el mundo.

Las fotografías de Mordzinski nos muestran una realidad literaria en español viva, dinámica y variada, hecha por hombres y mujeres de tres generaciones que han conformado el imaginario colectivo a base de palabras, y la dan a conocer al mundo en sus incontables libros, poemas, festivales, canciones, obras de teatro y ensayos.

Daniel Mordzinski nació en Buenos Aires el 29 de febrero de 1960. Conocido como "el fotógrafo de los escritores", trabaja desde hace treinta y ocho años en un ambicioso "atlas humano" de la literatura iberoamericana. Su excepcional sensibilidad literaria le ha otorgado la estima y la amistad de los escritores que ha ido retratando. Su obra ha sido expuesta en grandes museos de América Latina y en los principales centros culturales y festivales europeos y está representada en las mejores colecciones de fotografía contemporánea.

Es autor de numerosos libros, reportero de guerra, colaborador de los medios más prestigiosos de América latina y corresponsal gráfico de El País en Francia. Es el fotógrafo de numerosos encuentros literarios entre los que destacan los HAY FESTIVAL.

Hoja de sala


19 \ 03 \ 2018

2017

  • Conciencia perceptiva. Arte concreto español en la Colección Escolano

Palacio Montcada del Ayuntamiento de Fraga, del 16 de diciembre de 2016 al 22 de enero de 2017

El arte concreto, con sus derivaciones específicas (arte óptico y cinético), nace como un movimeinto internacional y, como tal, incorpora un cierto número de artistas españoles.Conciencia perceptiva alude a la teoría asociada al arte óptico (Mikel Dufrenne) y al papel de Román Escolano como ejemplo de espectador activo.

Entre los pioneros destacan nombres como Palazuelo o Sempere, pero el movimiento incorpora también a miembros de la llamada "Nueva Generación" en los años setenta: Elena Asins, Manuel Barbadillo, Julio Plaza o Yturralde.

Las ediciones múltiples y en especial la serigrafía fueron un medio privilegiado para estos creadores, que incorporaron de forma muy temprana las nuevas tecnologías informáticas, formándose un núcleo muy activo en torno al Centro de Cálculo de la Complutense Madrileña.

Muy atento a los desarrollos más avanzados de su tiempo, el coleccionista aragonés Román Escolano, pudo adquirir algunas de las ediciones más repesentativas de este movimiento en su fase más temprana.

La exposición quiere dar cuenta del contexto en que se producían y distribuían este tipo de obras. Se da prioridad a la presentación de las carpetas, que deben leerse como obras completas, acompañadas en su caso por textos y vinculados en ocasiones a los movimientos paralelos de poesía concreta.

En la exposición se exhibe la espectacular carpeta de serigrafías tridimensionales de Julio Plaza, acompañado de un vídeo realizado por Javier Peñafiel, la carpeta de aguafuertes "Lunariae" de Pablo Palazuelo, la carpeta "Alhambra" de Eusebio Sempere y las "Figuras Imposibles" de Yturralde. Otros artistas representados en la muestra son Abel Martín, Gerardo Rueda, Gustavo Torner o Salvador Victoria.

Las piezas de la muestra proceden de las colecciones conservadas en el IAACC Pablo Serrano, fundamentalmente de la Colección Escolano y de las importantes aportaciones del legado de Pablo Serrano, Salvador Victoria y la Colección Circa XX.

 

  • Visiones sin límites

Del 22 de diciembre de 2016 al 29 de enero de 2017
 

Proyecto Visiones sin límites es una iniciativa de la Fundación Rey Ardid que busca difundir una imagen positiva y potenciar la integración de personas con enfermedad mental a través de un eje prinicpal que es la creación artística. Aglutina obras de artistas reconocidos y anónimos afectados por un trastorno mental con el fin de eliminar las barreras y la exclusión de la sociedad a este colectivo.


Cerca de 50 personas con enfermedad mental participan desde el mes de septiembre en la elaboración de diversas obras que formarán parte de un gran mural conmemorativo de los 25 años de la Fundación Rey Ardid, todo ello de la mano del artista zaragozano Sergio Abraín, coordinador del proyecto. El IAACC Pablo Serrano muestra 40 obras representativas de las ediciones anteriores y un gran mural común, así como documentación fotográfica y grabaciones realizadas durante todo el proceso de creación. La diversidad de todos estos contenidos busca dotar esta exposición de un carácter didáctico para favorecer la comprensión y difusión de los valores y utilidad del arte como terapia.

Hoja de sala

 

  • Pablo Serrano 1908-1985. La colección (P 01 y Pl 02)

Del 20 de marzo de 2012 al 5 de febrero de 2017

La muestra supone una “re-visión”, una nueva mirada y presentación de los fondos de la colección estable del Instituto.

Se exponen de manera integrada un total de 95 obras de las cuales 66 son esculturas que se acompañan de dibujos, obra gráfica y documentos procedentes del archivo personal de Serrano que custodia el centro. El diálogo de la escultura con el documento y el dibujo nos permite acercarnos mejor a la obra y comprender el pensamiento del artista de Crivillén. En este contexto la exhibición recorre toda la trayectoria creativa de Serrano desde 1957, cuando fija su residencia en España tras su estancia iberoamericana y presenta sus Hierros, hasta las últimas producciones que concluyen con la que será su última serie, La Guitarra y el cubismo.

Si la escultura es para Serrano un medio de comunicación, la exposición de la colección del IAACC supone cumplir con la misión de que Museo/Sociedad - Sociedad/Museo se comuniquen.

LA COLECCIÓN

Para disfrutar la obra de Pablo Serrano es necesario acercarse a la personalidad de este escultor a través de sus ideas, su pensamiento y el compromiso que animó en todo momento su actividad. Serrano era un artista polifacético, disfrutaba trabajando la materia y plasmaba su filosofía de vida en sus esculturas y dibujos. Adoptó gran variedad de estilos y tendencias a lo largo de su trayectoria artística.

En sus primeros años en España presenta los Hierros, esculturas en las que ordena MATERIAL de desecho (hierros, clavos, mallas metálicas…) que encuentra o recoge en escombreras y desguaces y que agrupa en el espacio creando formas abstractas, utilizando la técnica del ensamblaje.

Poco tiempo después Serrano reflexiona en torno a otro tema fundamental, el ESPACIO. Parte del espacio ocupado para llegar al espacio vacío en esculturas que recuerdan la presencia de aquello que ya no existe, es decir liberadas de su cuerpo físico. Estas obras -Ritmos en el espacio y Quema del objeto- están marcadas por el vacío, por la nada que se ha generado a partir de gestos en el aire o del fuego en el interior del cubo.

El vacío que ha logrado en sus series anteriores se convierte en “refugio de soledad e intimidad del HOMBRE”-Bóvedas para el hombre- “estructuras elementales del espacio protector”, según palabras del propio escultor.

De su preocupación por dar cobijo al individuo surgen los Hombres bóveda, seres de exterior monstruoso y deforme que cobijan un interior luminoso y brillante. Un hombre y dos espacios, comunicados a través de una puerta -Hombres con puerta- por la que penetra la luz “tamizada como una esperanza”.

El interés por el hombre se refleja también en Interpretaciones al retrato, en las que queda de manifiesto su capacidad para captar la psicología y el alma del personaje a través de la distorsión de las expresiones y actitudes del retratado.

Para Serrano el hombre vence su inseguridad mediante la COMUNICACIÓN. Esta idea está presente en sus series Unidades – Yuntas y Pan partido y compartido. Son piezas compuestas por dos masas, que se ajustan como un puzzle y al juntarlas forman una. A través de la comunicación se puede llegar al entendimiento, a la unión.

Por el contrario, la falta de comunicación hace del hombre un ser monstruoso. Así surgen estos seres deformes y grotescos-Fajaditos- que son la expresión de la marginalidad y la injusticia social, oprimidos por vendas y ataduras que les impiden comunicarse.

Su último trabajo que desarrolla poco antes de morir, es la interpretación de las guitarras de los cuadros de Picasso. En La Guitarra y el cubismo juega con la descomposición de las formas, tal y como dice Serrano “el cubismo nos da la pauta: destruir para construir”.

Para Serrano la escultura es vehículo de ideas y transmisora de comunicación. Comunicarse es un anhelo constante y la escultura, mediante la materia y la forma, su lenguaje.

Descárgate:

 

  • Fofotografía en la Colección Circa XX. Tradición y renovación (Pl 03)

Del 21 de abril de 2016 al 19 de febrero de 2017

La exposición Colección Circa XX. Tradición y renovación se articula a través de un guión expositivo con un referente reconocible para el gran público, la pervivencia de manera continada de diversos temas comunes a lo largo de la Historia del Arte. Estas referencias se encuentran de manera consciente o inconsciente en los propios fotógrafos, quienes a través del sustrato de su formación o del seguimiento de aquellas trayectorias profesionales de quienes les precedieron, y en las que siguen su magisterio, retoman con una nueva mirada estos temas tradicionales, a los que impulsan y vivifican con sus creaciones.

La muestra, que exibe un total de 40 obras, se articula en cuatro módulos temáticos que son el eje del recorrido expositivo: el paisaje desde diferentes ópticas, las vistas urbanas de comienzos del siglo XXI, el cuerpo humano o la naturaleza muerta, temas transversales e imperecederos con los que se pretende una identificación del público.

Entre los autores presentes en la exposición podemos destacar a relevantes figuras del ámbito artístico nacional como José Manuel Ballester, Antoni Muntadas, Susy Gómez, Alberto Schommer, Joan Fontcuberta, Juan Uslé, Valentín Ortiz, Daniel Canogar, Cristina Arias, Esther Ferrer o los aragoneses Rafael Navarro o Mapi Rivera. Para ilustrar las corrientes de las últimas décadas en el panorama internacional se exhibirán obras de Vicenzo Castella, Maggie Cardelús, Robert Mapplethorpe, Pierre Gonord, Botto y Bruno, David Goldblatt, Per Barclay o de la gran figura de la fotografía surcoreana Bae-Bien-U.

Este conjunto de obras es fruto de esa estela creciente en la valoración de la fotografía iniciada décadas atrás y que se incrementa con el paso de los años. La finalidad última, reivindicar las obras fotográficas como creaciones de primer orden, reflejo de los artistas y de la sociedad donde se han llevado a cabo.

Folleto de la exposición

 

  • Mare Nostrum. Guerra y éxodo en el Meditarráneo

Del 2 de diciembre de 2016 al 12 de marzo de 2017

Manu Bravo, Fabio Bucciarelli, José Colón, Diego Ibarra Sánchez y Guillem Valle, han viajado, vivido y convivido con los migrantes de la cuenca del Mediterráneo, desde las guerras de las que huyen hasta los países que les acogen o no, pasando por el mar, las fronteras y los campamentos. Han arriesgado su vida y su salud en el mismo centro del fuego cruzado, han dormido en casas abandonadas, han sido secuestrados, liberados, heridos y abandonados. Por eso, y por su profesionalidad y experiencia, conocen y entienden tan profundamente el drama de los movimientos masivos de personas que están sucediendo en la cuenca del mar Mediterráneo.

La muestra es fruto de años de trabajo de MeMo, un grupo de cinco fotoperiodistas que trabajan en condiciones crueles, arriesgan sus vidas en los lugares más peligrosos y desagradables del planeta. Son la mirada reflexiva y crítica de una sociedad que los necesita para el mantenimiento de una delicada democracia y sentido de la justicia, para dar voz a los que sufren y nadie atiende. La exposición, organizada por el Gobierno de Aragón y el Grupo San Valero, reúne cincuenta fotografías de esta odisea, algunas de las cuales han sido tomadas las últimas semanas.
 

Hoja de sala

Más información: http://www.marenostrum-memo.com

 

  • Dibujar, pensar, diseñar. Manuel Estrada. Cuadernos del diseñador

Del 16 de febrero al 16 de marzo de 2017

La exposición itinerante Dibujar, pensar, diseñar. Manuel Estrada. Los cuadernos del diseñador, llega a Aragón gracias a la colaboración del IAACC Pablo Serrano y la Escuela Superior de Diseño de Aragón -ESDA-, dependientes del Departamento de Educación, Cultura y Deporte.

La exposición, que ha visitado ciudades como Bilbao, Chicago, Nueva York, Miami, Lisboa, Berlín o Helsinki, reocrre desde las primeras ideas hasta los diseños finales, guiando al visitante a través de las etapas intermedias, donde los conceptos y las formas cambian hasta alcanzar el resultado más adecuado conceptual, contextual y formalmente. Dibujar, pensar, diseñar. Manuel Estrada. Los cuadernos del diseñador es además un viaje a través de la cultura española. Principalmente dedicado a la identidad corporativa y el diseño editorial, Estrada ha trabajado para algunas de las instituciones y compañías culturalmente más importantes en España. A través de sus diseños encontramos escritores, instituciones y eventos que son el núcleo de la vida contemporánea de España.

Cuadernos del equilibrista es el trabajo más personal de Manuel Estrada. Constituido por 52 diarios visuales y cuadernos, muestran el proceso creativo del diseñador gráfico. La exposición establece un diálogo entre diseños finales y trabajos en proceso donde el dibujo y el collage son los protagonistas. Encontramos en el camino a un equilibrista cuyas piruetas gráficas generan imágenes fascinantes que contribuyen a engrosar nuestro imaginario colectivo.

Hoja de sala

 

 

  • Modportrait 2016. Galería Arte Libre

Del 5 de abril al 30 de abril

Exposición organizada por la Galería virtual Artelibre con las obras finalistas de la IV Edición del Concurso ModPortrait 2016, el primer certamen internacional de pintura figurativa dedicado de forma exclusiva al retrato y uno de los más destacados del arte contemporáneo figurativo. Se muestran las 54 obras seleccionadas por el jurado y la obra de los artistas distinguidos con el primer premio en ediciones anteriores: Edgar Noé Mendoza (México) en 2013, Paco Lafarga (España) en 2014 y Molly Judd (Irlanda) en 2015.

Con el apoyo de la Fundación de las Artes y los Artistas y el Museo MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno de Barcelona), Galería Artelibre ha reunido, en torno a este certamen, a una serie de artistas internacionales en la modalidad de Retrato, donde se pretende realzar la figuración y el academicismo, fruto de grandes ideas y de un trabajo concienzudo y elaborado, concediendo especial importancia al arte realista e hiperrealista.

El primer premio de esta edición ha recaído en la obra del artista Mark Temmant (Reuno Unido, 1950), que retrata al pintor Raoul Middleman en su estudio.

Los artistas Eddy Stevens, Matthew James Collins, Carmen Mansilla, Alejandro Carpintero, José Luis Ceña y Pau Marinello han sido distinguidos con Menciones de Honor.

El jurado virtual ha estado compuesto por los artistas Richard Estes, Don Eddy, Zhaoming Wu, Leigh Behnke y Max Ferguson, todos ellos pintores afincados en USA.

El jurado físico ha estado compuesto por Luis García Mozos, Eduardo Laborda, Iris Lázaro, Carlos Muro, José Manuel Infiesta (Director del MEAM y Presidente de la Fundación de las Artes y los Artistas) y José Enrique González (Director de Artelibre).

 

 

  • Paco Algaba. Europa Solar

Del 29 de marzo al 28 de mayo 

La videoinstalación Europa Solar es una recopilación de suelos y paisajes de las diferentes tierras de toda Europa en su destino indefectible de territorio en grado cero, que reconsidera la escala de la humanidad, sus procesos históricos y su actual situación crítica de cambio. El proyecto ha contado con la coproducción del Centro de Historias del Ayuntamiento de Zaragoza y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.

La obra se compone de 31 fuentes de imagen sincronizadas. Se trata de una serie de suelos registrados en todos los países de la Unión Europea, dispuestos en una superficie solar, seleccionados en función de categorías tales como "suelos industriales", "suelos públicos" o "suelos de frontera", combinados en una suerte de jerarquía que tiene que ver con el poder y sincronizados en 28 pantallas planas de 42 pulgadas colocadas en el suelo de la sala y 3 proyecciones en la pared, acompañados de los sonidos ambiente de lluvia, viento o pájaros que fueron registrados en el mismo momento que las imágenes. A través de esta recopilación de imágenes de los suelos, la obra Europa Solar nos enfrenta a la realidad de la tierra y el paisaje, a sus transformaciones y a su destino que, a la postre, es también nuestro destino como animales políticos.

A este núcleo original, que formó parte de la exposición Sector Primario del MUSAC, se suman tres piezas complementarias: un monocanal, Alemania 14, prólogo de Europa Solar; un díptico perteneciente al proyecto Volkgeist, en el que Algaba se encuentra inmerso actualmente y la composición Trabajo de campo, compuesta por doce tabletas donde el visitante podrá conocer el proceso de creación desarrollado por Algaba, con imágenes de los suelos en las que los testimonios de sus propietarios se pierden en la naturaleza propia de los espacios.

Europa Solar reflexiona sobre el devenir de Europa, sobre su descomposición como referente en la defensa de los derechos civiles y sobre la instauración tras la crisis de un nuevo modelo. La obra profundiza en la noción de igualdad, un principio cívico fundamental que parece estar en peligro en este nuevo modelo. La suma de suelos que presenta la obra se nos aparece, así, como una superficie inestable ante el devenir de la crítica historia reciente de nuestro tiempo.

Hoja de sala

 

  • Conciencia perceptiva. Arte concreto español en la Colección Escolano

Museo de Teruel, del 27 de abril al 28 de mayo

El Arte concreto, con sus derivaciones espcíficas (arte óptico y cinético), nace como un movimiento internacional, y como tal, incorpora también a un cierto número de artistas españoles. Conciencia perceptiva alude, por un aldo, a la teoría asociada al arte óptico (Mikel Dufrenne), y al papel de Román Escolano como ejemplo de espectador activo. Entre los pioneros destacan nombres como Palazuelo o Sempere, pero el movimiento incorpora a miembros de la llamada "Nueva generación", en los años setenta: Elena Asíns, Manuel Barbadillo, Julio Plaza o Yturralde.

Las ediciones múltiples y, en especial, la serigrafía fueron un medio privilegiado para estos creadores, que incorporan de forma muy temprana las nuevas tecnologías informáticas, formándose un núcleo muy activo en torno al Centro de Cálculo de la Universidad madrileña.

Muy atento a los desarrollos más avanzados de su tiempo, el coleccionista aragonés Román Escolano pudo adquirir algunas de las ediciones más representativas de este movimiento en su fase más temprana. 

 

  • Fotografía en la Colección Circa XX. Tradición y renovación

Fundación Santa María de Albarracín. Del 31 de marzo al 28 de mayo

La muestra Fotografía en la Colección Circa XX. Tradición y Renovación, se ha presentado en el Museo de Albarracín, impulsada por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX. Comisariada por el conservador de la Colección, Fernando Sarría, la exposición acoge una selección de 21 fotografías inspiradas en una serie de temas comunes que perviven a lo largo de la Historia del Arte. Los artistas retoman con una nueva mirada los temas tradicionales a los que impulsan y vivifican con sus creaciones. La muestra se articula en cuatro módulos temáticos que son el eje del recorrido expositivo, si bien las interpretaciones del cuerpo humano a través de distintas visiones creativas centran el discurso. El paisaje, desde muy diferentes ópticas, las vistas urbanas de comienzos del siglo XXI, el retrato como protagonista o la naturaleza muerta con sus nuevos enfoques son temas transversales imperecederos con los que el público que visite esta exposición se podrá sentir identificado.

Las imagénes que integran la muestra permiten disfrutar con obras de figuras reconocidas internacionalmente como Robert Mapplethorpe; de artistas galardonados con el Premio Nacional de Artes Plásticas como Esther Ferrer y Antoni Muntadas; el Premio Aragón Goya, Rafael Navarro; o valores consolidados de la fotografía en España como Aitor Ortiz y Fernando Sánchez Castillo.

 

  • Arte y vino. colección ENATE

Del 26 de abril al 4 de junio 

La exposición Arte y vino. Colección ENATE presenta un total de 43 obras de pintores de reconocido prestigio cuya obra ha servido de etiqueta distintiva de cada uno de sus vinos.

La bodega ENATE, desde sus comienzos en 1992, decidió que el maridaje de la enología y el arte contemporáneo sería el rasgo distintivo de su carácter, asumiendo que el arte era la esencia misma de su identidad. Desde su origen, ENATE formalizó su apuesta por hermanar ambos conceptos al contrastar la pericia casi matemática del enólogo con la imprevisión del artista inspirado en la enología. Bodega y museo, vinacoteca y galería artística, cada uno de sus vinos está asociado a un pintor de reconocido prestigio, figurando en la etiqueta una obra de su autoría realizada expresamente para la bodega. Antonio Saura fue el primer artista en vestir una de sus botellas, la del Chardonnay Barrica, obra que se ha convertido con el tiempo en uno de los símbolos identificativos de ENATE.

ENATE apostó por el arte contemporáneo no solo a través de las etiquetas exclusivas de sus vinos sino con la adquisición de obras, de forma que la sede de la bodega y sus viñedos se convierten en espacio expositivo que acoge más de 100 obras de arte originales de reconocidos pintores, tanto nacionales como internacionales, poniendo de manifiesto su clara apuesta por el arte. Antoni Tapies, Eduardo Chillida, Rafael Canogar, Antonio Saura, José Manuel Broto, Víctor Mira, Pepe Cerdá, Salvador Victoria, José Beulas, Gustavo Torner, Frederic Amat, Eduardo Arroyo … y muchos otros, forman parte del grupo de artistas que han colaborado con Enate. El vino, la tierra y el entorno de la bodega constituyen un concepto único e indisoluble con el arte contemporáneo.

Además Enate ha apostado también por el futuro, a través de la beca ENATE, instrumento de compromiso con los jóvenes creadores, y de su colaboracón con ATADES Huesca y ATADES Zaragoza.

Hoja de sala

 

  • XXII Exposición de Arte Contemporáneo ASPANOA

Del 13 de junio al 25 de junio

Exposición y venta de arte contemporáneo en la Pl 00 del IAACC Pablo Serrano, con un total de 96 obras. 

Entre los artistas participantes hay nombres ya históricos en la pintura aragonesa y española, por ejemplo, Miguel Ángel Arrudi, Pedro Avellaned, José Antonio Barrios, Natalio Bayo, José Beulas, José Manuel Broto, Mª Ángeles Cañada, José Cerdá, Aurora Charlo, Julia Dorado, Luis Gordillo, Isabel Guerra, Fernando Malo, Alejandro Monge, Pilar Moré, Rafael Navarro, Teresa Ramón, Carmelo Rebullida, Iñaki Rodríguez, Daniel Sahún, Eduardo Salavera, Juan José Vera o Gregorio Villarig.

La rueda de prensa tendrá lugar el día 13 a las 11:00 horas, y contará con la presencia del Director General de Cultura y Patrimonio, Ignacio Escuín; el coordinador de la exposición, Antonio Rodés; el Director del IAACC Pablo Serrano, Julio Ramón, y cinco académicos de San Luis que participan en la misma: Natalio Bayo, María Ángeles Cañada, Aurora Charlo, Rafael Navarro y Teresa Ramón. 

Catálogo de obras Aspanoa 2017

 

 

  • Ramón Masats. Buñuel en Viridiana

Del 12 de julio al 3 de septiembre

La muestra ha sido producida por el Gobierno de Aragón bajo el comisariado de Antonio Ansón y Amparo Martínez.

Ramón Masats, testigo excepcional de la España de los años cincuenta y sesenta, protagoniza esta exposición donde se reúnen un total de 35 fotografáis inéditas correspondientes al rodaje de Viridiana. Gracias a su amistad con Antonio y Carlos Saura, Masats pudo “infiltrarse” durante dos días en el rodaje de la película, durante los cuales decidió captar la figura de Buñuel y documentar los distintos momentos del trabajo.

La exposición se estructura en cinco secciones correspondientes al trabajo de Buñuel con el guión, la labor con el equipo técnico, el trabajo de cámara, el rodaje en exteriores y el rodaje en interiores, centrado en la escena correspondiente a la cena con los mendigos. Además de mostrar al Buñuel cineasta, estas imágenes revelan el rostro humano del director, yendo más allá del gesto de dureza con el que normalmente se le ha asociado.

Además de las imágenes tomadas durante el rodaje de Viridiana, la exposición incluye una vitrina con tres de las más importantes publicaciones de Ramón Masats, como fueron Los Sanfermines con texto de Rafael García Serrano, Neutral Corner con textos de Ignacio Aldecoa y Viejas historias de Castilla la Vieja con textos de Miguel Delibes, donde se reúnen algunas de sus fotografías más relevantes.

La exposición, que ha sido producida por el Gobierno de Aragón bajo el comisariado de Antonio Ansón y Amparo Martínez, cuenta con la publicación de un catálogo editado por Prensas Universitarias de Zaragoza con textos de los comisarios y de Agustín Sánchez Vidal. Será objeto de itinerancia que inclurá el Museo de Huesca, el Centro Buñuel de Calanda y el Museo de Teruel.

Hoja de sala

 

  • De Las Artes y Las Letras. La Colección

Del 17 de mayo al 10 de septiembre de 2017

Propuesta expositiva dedicada a mostrar la relación que se ha establecido entre las artes plásticas y la literatura, integrada en su totalidad por fondos procedentes de la colección del centro. La exposición recoge un total de 44 obras (pintura, fotografía, obra gráfica, escultura y dibujo) así como documentación de archvio que se organiza en cinco ámbitos, cinco formas diferentes de expresar la relación entre el arte y la literatura:

  • Un hombre de palabra
  • Versos a buril
  • Vientos del pueblo. Homenaje a los pueblos de España de Miguel Hernández
  • De puño y letra
  • Bibliotecas 


Hoja de sala

 

 

  • Javier Joven. Contra Acción

Del 14 de junio al 1 de octubre 

Javier Joven (Zaragoza, 1976) sintetiza en Contra Acción ideas y búsquedas de muchos años de trabajo. El artista nos invita a un viaje interior y a un acto de detención, un estado intermedio, casi atemporal, inspirado en el taoísmo. La presencia repetida de su figura, asumiendo la responsabilidad absoluta de las acciones, no desprende narcisimo sino autenticidad, humor y humildad. En ese recorrido emocional persigue compartir una conversación íntima con nuestro interior, entendiendo la existencia –y la creación- desde la militancia individual e incorporando la memoria: “Trato de plasmar algo inefable, que trasciende mi experiencia particular. La experiencia mística aspira a ser universal, pero paradójicamente es extremadamente personal”.

Javier Joven es licenciado en BBAA por la UPV, finaliza sus estudios artísticos en la Academia de Venecia. Su vocacional dedicación a la pintura –siempre protagonista- no le impide experimentar con otros soportes, hasta desembocar en una obra con recursos intermedia, campo que prefiere actualmente. Expone en diversos países y obtiene varios premios y distinciones. Su obra está presente en colecciones de múltiples instituciones. Desde 2001 compagina su actividad artística con la docencia, en la Universidad de Zaragoza y en divresos centros de Educación secundaria de Zaragoza.

 

Hoja de sala

 

 

  • Fotografía en la Colección Circa XX. Tradición y renovación

Sala de Exposiciones Goya de la UNED Barbastro, desde el 31 de agosto de 2017
 

La muestra Fotografía en la Colección Circa XX. Tradición y renovación, impulsada por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX, reúne una selección de 21 imágenes de grandes autores que forman parte de los fondos permanentes del IAACC Pablo Serrano. Se articula en cuatro módulos temáticos, que son el eje del recorrido expositivo: el paisaje desde muy diferentes ópticas, las vistas urbanas de comienzos del siglo XX, el retrato como protagonista o nuevos enfoques de la naturaleza muerta.

Las imágenes corresponden a reconocidas figuras de la fotografía como el premiado internacional Robert Mapplethorpe; de autores galardonados con el Premio Nacional de Artes Plásticas como Esther Ferrer y Antoni Muntadas; el premio Aragón Goya Rafael Navarro; o valores consolidados de la fotografía en España como Aitor Ortiz y Fernando Sánchez Castillo.
 

La exposición cuenta con la colaboración de la UNED de Barbastro y la Fundación Ramón J. Sender.

 

 

 

  • El "Otro" Bigas Luna. La seducción de lo tangible

Del 13 de septiembre al 10 de diciembre

La exposición El “Otro” Bigas Luna. La seducción de lo tangible, es una aproximación a la totalidad de las prácticas artísticas (performance, fotografía, instalaciones, dibujo, pintura…) que cultivó el reconocido cineasta a lo largo de toda su vida, y que han sido seleccionadas de su enorme e inédita colección particular y cedidas gentilmente por su viuda, Celia Orós.

El recorrido expositivo abarca todas las tipologías que desarrolló desde sus inicios, y nos descubre su realidad auténtica y cotidiana de persona cercana y afable, y de incansable creador multidisciplinar inspirado en el sexo, la comida y la espiritualidad, pero también en la naturaleza, a cuyo influjo sucumbe en los últimos años de su vida.

Su legado en este ámbito suma miles de obras metódicamente realizadas en series, la gran mayoría totalmente inéditas ya que mantuvo esa labor en el territorio de lo íntimo hasta los años 90. Desde entonces quiso reivindicarse en la total promiscuidad de sus lenguajes creativos, en la insólita fusión de sus pinturas con sus viejos guiones y notas de sus rodajes y poner en valor esa faceta que cultivó constantemente; y es que frente a ese cosmos mágico y etéreo del séptimo arte siempre le sedujo la sensualidad de la imagen tangible y la aproximación a la naturaleza.

Transcurridos 4 años de su muerte, la exposición y el libro que la acompaña revelan al gran público ese “otro” Bigas que sin duda resulta imprescindible para entender el controvertido y apasionante personaje en toda su dimensión vital y creativa.

La exposición ha sido promovida por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón tras la gran acogida que ha tenido en las salas de la Coracha del Museo Municipal de Málaga (MUPAM). 

Hoja de sala 1         Hoja de sala 2

 

 

  • ROOM XX. Arquitectura hotelera en Aragón 2000 - 2020

Del 3 de Noviembre al 17 de Diciembre

La exposición propone un viaje arquitectónico por los principales hoteles construidos en el siglo XX en Aragón, desde criterios basados en el diseño, la relación con el lugar y la experiencia habitacional que proponen. Fotografías, planos, memorias... que revelan las intenciones de sus autores y las relaciones que los proyectos establecen, tanto con los lugares en los que se implantan como con sus habitantes pasajeros.

Desde la cultura del gran hotel urbano o los primeros alojamientos turísticos, en los últimos años se ha producido una importante evolución de los proyectos que ofrecen alojamientos temporales. Una nueva mirada al lugar, la empatía hacia el entorno y el medio ambiente, las novedades tecnológicas o las propuestas fenomenológicas son algunas de las claves de una arquitectura que ofrece una experiencia singular y fugaz de domesticidad sin hogar, de habitación sin casa.

La muestra es el resultado de la investigación sobre los nuevos modos de habitar y la condicion doméstica en la arquitectura contemporánea de nuestro entorno. Frente a la permanencia de la casa, la naturaleza temporal de la experiencia del viajero caracteriza la arquitectura hotelera, más permeable a los cambios sociales y tecnológicos y más abierta a la innovación en las formas de habitar el espacio.

 

 

  • Un sueño de Balenciaga, el Cine

Del 18 de octubre de 2017 al 7 de enero de 2018

La muestra Un sueño de BALENCIAGA, el Cine, fruto de la colaboración entre el IAACC Pablo Serrano y el Museo Balenciaga de Guetaria, está formada por 61 fotografías en blanco y negro, así como algunos documentos complementarios, en los que se recoge la visión retrospectiva de las colaboraciones realizadas con el mundo del cine por el gan diseñador de moda.

Se trata de un recorrido cronológico a través de imágenes de películas, así como de bocetos de las creaciones realizadas por Balenciaga para el "séptimo arte".

Cristóbal Balenciaga (Guetaria 1895 - Jávea 1972) marcó con su estilo y personalidad cuatro décadas de la moda, hasta su retiro en 1968. De carácter silencioso e introspectivo, la elegancia con la que supo envolver sus diseños es todavía hoy un reflejo de su personalidad. El cineasta Luis Buñuel afirmó: "el misterio es el elemento clave en toda obra de arte".

Amigo de artistas de la talla de Chillida, Miró, Braque o Jean Cocteau, se dejó seducir por el mundo del cine. Desde su llegada a París en 1937 participó en una treintena de películas en las que vistió a las más grandes estrellas de la pantalla. Directores como Luis César Amadori, Alfred Hitchcock, Anatole Litvak, Marcel Carné o el propio Cocteau, entre otros, contarán con él para el vestuario de sus films. La exposición Un sueño de Balenciaga, el Cine, repasa cronológicamente esa colaboración a lo largo de toda su carrera. Esta exposición muestra piezas únicas, realizadas en los talleres de París y Madrid, y complementa una parte desconocida de su trabajo, que es hasta la fecha inédito.

Pedro Usabiaga, comisario de la exposición, es uno de los fotógrafos de moda y cine más reconocidos del panorama nacional. La exposición se complementa con actividades didácticas dirigidas a los alumnos de educación primaria y patrocinadas por Torrevillage ZIR, y por conferencias en torno a Balenciga, la moda y el cine, la primera de las cuales la impartirá Pedro Usabiaga el día 19 de octubre.
 

 

  • RENATO COSTA. INKLESS (Pl 04)

Del 4 de octubre al 14 de enero de 2018

Inkless, expresión inglesa que significa literalmente "sin tinta", es fruto de un largo proceso de introspección conceptual, análisis y desarrollo artístico, en el que el autor establece un paralelismo entre el concepto de agotamiento, sea físico, emocional, medio ambiental, social o de cambio de un ciclo, con el término mecánico empleado para advertir que una impresora ya no tiene capacidad para seguir realizando su función y, por tanto, es el momento del cambio. Este discurso se desarrolla a través de un conjunto de cinco obras que comprende la pintura, la fotografía y el vídeo, realizadas en el caso de los lienzos con un monocromo azul real o, como coloquialmente se le conoce, color "boli bic", con el que genera un ambiente que llena de unidad armónica toda la exposición al mismo tiempo que transmite la idea de homogeneización, apuntando así al otro concepto subyacente en este proyecto: la problemática de la alteridad y la imposibilidad de encuadre la figura del "otro" en un marco moral y ético definitivo. 

Renato Costa (Río de Janeiro, 1974) inicia su formación en el taller de su padre Manoel Costa, uno de los importantes pintores costumbristas brasileños, continuando su formación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, ciudad en la que vive y trabaja desde 2005.

A través de su obra, el artista pretende poner en valor y revelar un sentido de urgencia de la insostenibilidad del sistema actual, reforzando la idea de agotamiento de las utopías y la necesidad de encontrar el compromiso necesario para provocar un cambio, una salida a este momento Inkless.

Hoja de sala


23 \ 01 \ 2017

2016

Exposiciones pasadas 2016

20 \ 06 \ 2016
+

2016

  • "La parte y el todo. La figura humana en la Colección Circa XX"

Fundación Santa María de Albarracín, del 2 de abril al 29 de mayo

Exposición impulsada por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX. Consta de 31 obras que, a lo largo de todo el año, viajarán por distintas localidades aragonesas como Calaceite, Alcañiz y Calatayud.

Esta exposición se encuentra articulada en torno a un tema común, el cuerpo humano, interpretado a través de las diferentes visiones que proporcionan creadores de diversas procedencias y corrientes artísticas. A través de diferentes culturas y movimientos artísticos, las formas de representar la anatomía humana son herederas de las influencias del medio donde se desenvuelve el artista y han proporcionado las claves ideológicas, culturales e incluso tecnológicas de la sociedad donse se encotraba inmerso.

A lo largo de la exposición se puede disfrutar con obras de figuras reconocidas mundialmente como Picasso, de artistas del movimiento Pop-Art como el internacional Cristopher Makos, o del ámbito nacional como los españoles de Equipo Crónica y Equipo Realidad y de reputadas figuras con gran proyección internacional como Manolo Valdés. También se pueden encontrar creaciones de la galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas Carmen Calvo, del precursor del collage y del videoarte Wolf Vostell o del aragonés Antonio Saura, entre otros.

 

  • "Pablo Serrano. En el fondo de la cuestión , el hombre"

 

Palacio Montcada de Fraga, del 20 de abril al 19 de junio de 2016

La muestra "Pablo Serrano. En el fondo de la cuestión, el hombre", exhibe un total de 40 esculturas y 8 dibujos pertenenecientes a la colección del IAACC Pablo Serrano. Un recorrido por la trayectoria artística de Pablo Serrano que abarca los años previos a su regreso a España en 1955, el momento de creación de El Paso, su éxito con las "Bóvedas para el hombre" en la Bienal de Venecia de 1962 o su última serie de los "Divertimentos con Picasso, la guitarra y el cubismo". Dentro de la selección, se incluyen también series de su producción abstracta y obras de figuración expresionista, como las "Interpretaciones al retrato" y bocetos de obra monumental.

De este modo, Pablo Serrano se une a la serie de artistas que han pasado por el Palacio Montcada, coincidiendo con la conmemoración del 30º Aniversario de la restauración del Palacio, inaugurado el 23 de abril de 1986. Desde entonces ha acogido múltiples exposiciones dedicadas a artistas aragoneses así como exposiciones colectivas de fotografía y de cerámica.

 

  • "Polifonías". Rafael Navarro

Del 13 de abril al 17 de julio de 2016

La exposición Polifonías de Rafael Navarro abre el diálogo entre sus trabajos clásicos y químicos, en blanco y negro, y la producción digital más reciente. Muestra, además, un modo peculiar y alternativo de presentación de las fotografías. Éstas pierden su individualidad y funcionan como partes de una pieza global, cuya lectura es conjunta, no necesariamente lineal. Esta forma de trabajar enlaza con una cierta tradición vanguardista, que se puede ejemplificar en Sol Lewitt, donde cuadros o fotografías individuales se consideran material de construcción para una obra distinta.

Polifonías quiere ser un inventario de los modos en que las fotografías interactúan para construir algo nuevo. La exposición relata también cómo nace esta idea de un tratamiento sintético. Su germen fue una serie temprana (Involución, 1976) que representó una crítica interna de la Fotografía. Los míticos Dípticos, desarrollados entre 1978 y 1985, inician el planteamiento de unas dualidades, de las que nacerá un significado inédito, diferente de la suma de las partes. El desarrollo de las "polifonías", por lo tanto, parte de una discusión de las propias bases del medio, y esa discusión es la que hace crecer la obra hacia territorios que van bastante más allá de lo fotográfico.

Rafael Navarro (Zaragoza, 1940), Premio Aragón Goya 2013, contó entre los creadores de la Nueva Fotografía española. Pertenece a la generación de "Nueva Lente", a la que da nombre una revista nacida en 1971. Desde entonces y hasta ahora, su trabajo ha sabido mantenerse vivo, respaldado por un inusual nivel de exigenica. Siendo fiel a su medio, Rafael Navarro cuenta entre quienes abrieron a la Fotografía los museos y galerías no específicos. Muchas de las exposiciones que han hecho recuento de la Fotografía Contempránea, a lo largo de cuatro décadas, tanto a nivel nacional como internacional, incorporan su nombre. Pocos artistas consiguen sobrevivir de este modo.

Hoja de Sala. Texto de Alejandro J. Ratia

 

  • "La parte y el todo. La figura humana en la Colección Circa XX"

Museo Juan Cabré de Calaceite, del 3 de junio al 28 de agosto

"La parte y el todo. La figura humana en la Colección Circa XX" es una muestra impulsada por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX Pilar Citoler y comisariada por el conservador de la Colección Circa XX, Fernando Sarría.
La colección, que inició su camino en Albarracín el pasado mes de abril, hace parada en Calaceite para viajar a continuación por otras localidades aragonesas como Alcañiz y Calatayud.
‘La parte y el todo. La figura humana en la Colección Circa XX’ exhibe un total de 21 obras, fundamentalmente, gráficas. Todas ellas son parte de la Colección Circa XX, centrada en arte contemporáneo y adquirida por el Gobierno de Aragón a su coleccionista Pilar Citoler. Asignada a la colección del IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, que consta de un gran fondo de más de 1.200 obras. Entre ellas se una completa muestra de las corrientes artísticas del panorama nacional e internacional de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI, con creaciones que abarcan diversas técnicas y formatos; pintura, dibujo, fotografía, obra gráfica y videocreación.
A través de estas obras, el público podrá disfrutar con obras de figuras reconocidas mundialmente como Picasso; de artistas del movimiento Pop-Art como el internacional Cristopher Makos, o del ámbito nacional como los españoles Equipo Crónica y Equipo Realidad, así como de reputadas figuras con gran proyección internacional como Manolo Valdés. De igual manera, también encontrará creaciones de la galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas Carmen Calvo, del precursor del decollage y videoarte Wolf Vostell o el aragonés Antonio Saura, entre otros.

Las interpretaciones del cuerpo humano a través de distintas visiones creativas centran el discurso expositivo. Esta exposición se encuentra articulada en torno a un tema común, el cuerpo humano, interpretado a través de las diferentes visiones que proporcionan creadores de diversas procedencias y corrientes artísticas. Se trata de un tema recurrente, como objeto de representación, a lo largo de la Historia del Arte. A través de diferentes culturas y movimientos artísticos, las formas de representar la anatomía humana son herederas de las influencias del medio donde se desenvuelve el artista y han proporcionado las claves ideológicas, culturales e incluso tecnológicas de la sociedad donde se encontraba inmerso.

 

  • ¡Viva el diseño! Red Dot Awards from Spain

Del 11 de mayo al 18 de septiembre de 2016

El Diseño español goza de renombre internacional por su creatividad y potencial innovador. Los diseñadores nacionales han demostrado su talento especialmente en los ámbitos del diseño de mobiliario y de iluminación, así como en la creación de edificios, plazas y espacios públicos. Desde hace unos 20 años, cada vez más objetos de procedencia española se presentan al certamen global "Red Dot Design Award", resultando muchos de ellos galardonados asiduamente por el jurado internacional del primio Red Dot.

El éxito del diseño contemporáneo español en el Red Dot design Award, un certamen reconocido a nivel mundial, se debe a su gran diversidad de formas, colores, materiales y conceptos estilísticos. Pero también influye la facilidad con la que fusiona conceptos tradicionales y modernos para crear un conjunto equilibrado que ha contribuido a su proyección internacional.

Con unos orígenes que se remontan a mediados de los cincuenta, la distinción de los "Red Dot" está reconocida internacionalmente como una de las marcas de calidad para diseños excelentes más deseadas.

La exposición ha exhibido las obras españolas que han sido premiadas con los Red Dot Awards, uno de los galardones más prestigiosos en el ámbito del diseño. Con el fin de valorar la diversidad en el campo del diseño, de un modo riguroso y profesional, los Red Dot Design Award se descomponen en diferentes disciplinas: diseño de producto, diseño de comunicación y diseño de conceptos y prototipos, de forma que documentan las más destacadas tendencias y los mejores diseños alrededor del mundo.

 

  • "La parte y el todo. La figura humana en la Colección Circa XX"

Sala de exposiciones del Ayuntamiento de Alcañiz, del 7 de septiembre al 2 de octubre.

La figura humana en la Colección Circa XX continúa su itinerancia y hace parada en Alcañiz, para recalar finalmente en Calatayud. En esta ocasión la muestra, impulsada por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón y la Fundación Aragonesa Colección Circa XX, exhibe un total de 34 obras de pintura, obra gráfica, fotografía y vídeo. Entre ellas se encuentra una completa selección de las corrientes artísticas del panorama nacional e internacional de la segunda mitad del siglo XX y comienzos del XXI, con creaciones que abarcan diversas técnicas y formatos.

El público podrá disfrutar con obras de figuras reconocidas mundialmente como Picasso, de artistas del movimiento Pop-Art como el internacional Cristofer Makos, o del ámbito nacional como los españoles Equipo Crónica y Equipo Realidad, así como de reputadas figuras con gran proyección internacional como Manolo Valdés. Encontrará también creaciones de la galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas Carmen Calvo, del precursor del collage y videoarte Wolf Vostell o el aragonés Antonio Saura, entre otros.

Las interpretaciones del cuerpo humano a través de distintas visiones creativas centran el discurso expositivo. A través de diferentes culturas y movimientos artísticos, las formas de representar la anatomía humana son herederas de las influencias del medio donde se desenvuelve el artista y han proporcioado las claves ideológicas, culturales e incluso tecnológicas de la sociedad donde se encuentra inmerso.
 

  • Heterotopías. Colección Circa XX

Del 8 de julio al 16 de octubre en el MACA, Museo de Arte Contemporáneoa de Alicante

Esta selección de obras de la Colección CIRCA XX, lleva por título Heterotopías, neologismo acuñado en 1967 por el filósofo francés Michael Foucault, a partir de los vocablos griegos “heteros” (diferente) y “topos” (lugar), como denuncia del interés de la historia sólo por el tiempo.

Para Foucault un museo o una bibloteca es un lugar heterotópico, un contraespacio que aglutina espacios contrapuestos que se organizan sin lógica alguna, generando “un lugar sin lugar” donde el tiempo no cesa de amontonarse y de encaramarse sobre sí mismo. Una colección de obras de arte como es CIRCA XX responde a ese mismo concepto: la idea de acumular todo, de constituir una especie de archivo general, la voluntad de encerrar en un lugar todas las etapas, todas las formas, todos los tiempos que están a su vez fuera de época… una suerte de acumulación perpetua e indefinida del tiempo en un lugar inamovible…

Revisar ese lugar donde coexisten diversas utopías contradictorias es el interés de esta exposición. Conceptos aparentemente discordantes que conviven volviéndose penetrables: espacio/tiempo, óptico/cromático, perceptivo/no visible; finito/non finito... A través de conexiones transgeneracionales proponemos una lectura sin cronología. Solo para mirar. Las heterotopías construidas a tiempo y espacio real son los lugares donde se cumplen las utopías.

La Colección Circa XX está integrada por 1.200 obras que el Gobierno de Aragón adquirió a su propietaria Pilar Citoler a finales del año 2013, mediante una fórmula mixta que incluía compra y donación. Desde entonces se asignó como parte del fondo estable de la colección del IAACC Pablo Serrano de Zaragoza para su custodia y exhibición.

Folleto de la exposición

 

  • Ramón y Katia Acín. El arte contra la violencia

Del 6 de agosto al 20 de noviembre

Exposición fruto de la colaboración entre el Gobierno de Aragón y la Fundación Ramón y Katia Acín, y comisariada por Carlos Mas Arrondo.

El hilo conductor de la presente exposición es la relación entre Belleza y Violencia, la primera como bálsamo, sublimación, lucha o alternativa de la segunda. El discurso expositivo se articula en cuatro espacios:

- Negra Noche, en el que Ramón Acín da formulación plástica a la violencia entendida en un amplio sentido: la guerra y su poder destructor, la represión, la muerte, la violencia social y política, el maltrato animal en la fiesta de los toros..., un mundo oscuro en el que la humanidad se ve seriamente comprometida.

- La Estética de una Víctima, referida en exclusiva a la obra de Katia Acín y en la que cobran sentido sus propias palabras: "con los años vuelven los recuerdos cada vez más nítidos, y lucho contra ellos como sé, a golpe de buril y gubia". Volúmenes constreñidos, cuerpos mutildados y sin rostro, asfixia espacial, presos encadenados, duelos y tensiones. Se busca dotar al espectador de una sensación de angustia espacial.

- La Luz, espacio en el que la Belleza quiere manifesarse como verdadero antídoto contra el Mal: la paz, el progreso de la civilización y la Modernidad, la Tradición en lo que debe ser conservado, el amor, la amistad, la fiesta, la danza, la naturaleza y el paisaje, la ensoñación, la ciencia... Encontramos al Ramón Acín más lúdico y colorista, el paisaje y su encuentro con una naturaleza no contaminante.

- La Revolución Social y Pedagógica: si la tarea transformadora se presenta urgente y el poder del arte acaba por mosrarse insuficiente para modificar la vida, habrá que cambiar el mundo para que la estética y el orden sean restablecidos: el "hombre nuevo" llegará a través de la infancia, la humanidad del futuro, con lo que se muestra perentoria la tarea pedadógica en línea con la Escuela Moderna y las estrategias de Freinet, a la vez que el activismo anarcosindicalista, entendido como "gran narración", acerca al presente el mundo mejor tan anhelado.

Hoja de Sala

 

  • Pilar Lorengar. Una aragonesa de Berlín

Del 29 de septiembre al 11 de diciembre

El IAACC Pablo Serrano acoge la presente exposición, en el XX aniversario del fallecimiento de la soprano zaragozana Pilar Lorengar. El Gobierno de Aragón y la Asociación Aragonesa de la Ópera "Miguel Fleta" han querido honrar su memoria con una exposición que recoge los méritos artísticos de toda su trayectora. Más de cuarenta años sobre los escenarios de medio mundo, desde Nueva York a Milán pasando por San Francisco, Londres o Salzsburgo, Pilar Lorengar estuvo estrechamente vinculada a la ciudad de Berlín, sin olvidar nunca sus raíces aragonesas.

Pilar Lorengar. Una aragonesa de Berlín
pretende hacer justicia a la singular figura de la soprano que es sin duda una de las artistas de mayor valía que Aragón conoció durante el pasado siglo XX. La muestra desvela los difíciles inicios de Lorengar, prácticamente desconocidos, antes de dar el salto a los primeros escenarios nacionales e internacionales, al tiempo que glosa su amplio repertorio, tanto en la ópera como en la zarzuela. Recoge, entre otras, piezas traídas desde la Academia de las artes de Berlín, donde fue depositado el legado personal de la artista tras su fallecimiento en 1996. Programs de mano, fotos, carteles, contratos, documentación privada, diplomas y condecoraciones... un largo etcétera de objetos se han recopilado en esta muestra, no sólo procedentes de Berlín sino también acudiendo a colecciones particulares de Madrid y Zaragoza. Asímismo, numerosas instituciones, públicas y privadas, han facilitado materiales de interés procedentes de sus archivos.

 

  • Conciencia perceptiva. Arte concreto español en la Colección Escolano

Centro De Arte y Naturaleza. Fundación Beulas, Huesca, del 14 de julio al 11 de diciembre de 2016

El arte concreto, con sus derivaciones específicas (arte óptico y cinético), nace como un movimiento internacional y, como tal, incorpora un cierto número de artistas españoles. Conciencia perceptiva alude a la teoría asociada al arte óptico (Mikel Dufrenne), y al papel de Román Escolano como ejemplo de espectador activo.

Entre los pioneros destacan nombres como Palazuelo o Sempere, pero el movimiento incorpora a miembros de la llamada "Nueva Generación", en los años setenta: Elena Asins, Manuel Barbadillo, Julio Plaza o Yturralde.

Las ediciones múltiples y, en especial, la serigrafía fueron un medio privilegiado para estos creadores, que incorporan de forma muy temprana las nuevas tecnologías informáticas, formándose un núcleo muy activo en torno al Centro de Cálculo de la Complutense madrileña.

Muy atento a los desarrollos más avanzados de su tiempo, el coleccionista aragonés Román Escolano, pudo adquirir algunas de las ediciones más representativas de este movimiento en su fase más temprana. Estas obras son la base de la exposición que se presenta en el CDAN, con aportaciones adicionales procedentes de una donación realizada al Gobierno de Aragón por Manuel Barbadillo y fondos del legado de Pablo Serrano y de la Colección Circa XX.

La exposición quiere dar cuenta del contexto en que se prodcuón y distribuían este tipo de obras. Se da prioriidad a la presentación de las carpetas completas, que deben leerse como obras completas, acompañadas en su caso por textos y vinculados en ocasiones a los movimientos paralelos de poesía concreta.

En la exposición se exhibe la espectacular carpeta de serigrafías tridimensionales de Julio Plaza, acompañado de un vídeo realizado por Javier Peñafiel, la carpeta de aguafuertes "Lunariae" de Pablo Palazuelo, la carpeta "Alhambra" de Eusebio Sempere, y las "Figuras Imposibles" de Yturralde. Otros artistas representados en la muestra son Abel Martín, Gerardo Rueda, Gustavo Torner o Salvador Victoria.

Las piezas de la muestra proceden de las colecciones conservadas en el IAACC Pablo Serrano, fundamentalmente de la Colección Escolano y de las importantes aportaciones del legado de Pablo Serrano, Salvador Victoria y la Colección Circa XX.

 


20 \ 06 \ 2016 -

2015

Exposiciones pasadas 2015

09 \ 03 \ 2015
+

2015

  • Digital2

Del 5 de Febrero al 8 de Marzo de 2015

El IAACC Pablo Serrano abre la nueva edición del Programa "Impulso Lateral" 2015, promovido por la Dirección General de Patrimonio Cultural, con la obra Digital 2 de Jaime Sanjuán. Su obra es doblemente digital: todos los cuadros expuestos son pinturas digitales pintadas con los dedos en un iPad.

Como consecuencia de su formación pictórica en medios tradicionales (óleo, pastel, acuarela, acrílico, etc.) las técnicas utilizadas por el artista son muy similares a las empleadas en la pintura tradicional, lo que confiere a sus obras digitales un marcado carácter pictórico. Sus detalladas obras suponen, en algunos casos, casi 100 horas de trabajo.

Debido a la problemática conceptual de que un cuadro hiperrealista digital no se diferencia en nada de una fotografía digital, ni siquiera en el formato, el sorprendente hiperrealismo de sus primeros cuadros digitales pronto evoluciona hacia un estilo propio cercano al surrealismo. Mediante la exposición Digital2 el autor quiere dar el salto de la pantalla a la pared y acercar este nuevo tipo de arte al público.

Jaime Sanjuán. Tras licenciarse en Bellas Artes por la Universidad de Castilla La Mancha y superar el periodo docente del programa de Doctorado "Nuevas Prácticas Culturales y Artísticas", regresa a Zaragoza donde obtiene el Diploma de Estudios Avanzados del programa de Doctorado "Técnicas de Investigación en Historia del Arte y Musicología" en la Universidad de Zaragoza. Actualmente compagina la escritura de su tesis doctoral sobre arte y nuevas tecnologías con la creación de pinturas digitales realizadas con los dedos en un iPad.

  • Lugares carentes de lugar

Del 12 de marzo al 12 de abril

Dentro del Programa expositivo "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura del Gobierno de Aragón, el IAACC Pablo Serrano exhibe la obra de Beatriz Pellés, Lugares carentes de lugar.

Todavía hoy nos mueve el interés por lo desconocido, la mente huamana necesita explorar y conocer el mundo en el que vive. En Lugares carentes de lugar, Beatriz Pellés pretende buscar nuevos escenarios y nuevos imaginarios que representen esos espacios que el hombre todavía necesita descubrir y que cree que pueden existir. Una serie de lugares inspirados debido a su inquietud por el viaje, el caminar y la exploración; que reproduce de forma ficticia a través de dibujos y pinturas. Una invitación a observar y reconstruir otras posibilidades del paisaje contemporáneo.

Beatriz Pellés (Zaragoza 1985). Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla La Mancha (2013). Durante la carrera es becada para completar su formación académica en la Hochschule für Bildende Künste (Hamburgo 2011) y en la Facultad de Bellas Artes de Madrid (2012). Después realiza el Máster en investigación en prácticas artísticas y visuales en la Facultad de Cuenca (2014).

 

 

  • Bajo amenaza_Manual visual de supervivencia

Del 16 de abril al 17 de mayo

El IAACC Pablo Serrrano exhibe la obra de Sara Biassu, BAJO AMENAZA_Manual Visual de Supervivencia, dentro del programa expositivo "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura del Gobierno de Aragón.

BAJO AMENAZA_Manual Visual de Supervivencia es una guía en la que la imagien prevalece sobre el texto, que la acompaña y sitúa, mostrando que nada tiene por qué ser para siempre y todo lleva su proceso; en base a cómo sobrevivir a las consecuencias de las propias decisiones y principios si se está dispuesto a defenderlas a pesar de los enigmas que traen consigo. Surgen de la convivencia, a cada paso, de intereses ajenos que hacen replantearse la propia libertad, condicionada por relaciones y normas que pueden llegar a paralizar cuerpo y mente si son impuestas y resultan injustas.

La muestra recoge ocho trabajos inéditos y originales compuestos por objetos con identidad propia o intervenida, ampliando su sentido más allá de su función inherente. Forman un conjunto de instalaciones a partir de fragmentos cotidianos que narran el suceso y su desarrollo, sugiriendo un itinerario por el que continuar hacia la liberación.

 

  • Estereometría de una pintura y sus posibilidades fantomáticas

Del 21 de mayo al 21 de junio

Dentro del programa "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura del Gobierno de Aragón, el IAACC Pablo Serrano exhibe la obra de Elena Vicente Herranz Estereometría de una pintura y sus posibilidades fantomáticas.

El proyecto expositivo de Elena Vicente tiene como principal objetivo reivindicar la autenticidad de la incompletitud de la experiencia y la necesidad de trastocar los datos objetivos. Con ese mismo espíritu imaginamos más allá de las imágenes estereoscópicas, como esas imágenes desdobladas ligeramente diferentes para cada ojo y que pueden ser conectadas para reverberar y recobrar una tridimensionalidad mayor. El poryecto plantea una búsqueda e indagación de todo aquello que está comprimido en nuestra capacidad de senentrañar la realidad, una indagación de la imagen tridimensional.

Las obras de la exposición forman parte de una serie inspirada en ideas extraídas del cuadro Los Embajadores de Hans Holbein pintado en 1533.

 

  • Presencias

Del 25 de junio al 26 de julio

Dentro del programa "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura del Gobierno de Aragón, el IAACC Pablo Serrano exhibe la obra Presencias de Lorena Domingo Aliaga.

Presencias es un proyecto pictórico y escultórico donde se analiza la pintura entendiéndola como un tejido abierto y complejo, compuesto por diversos elementos formales y materiales.

Está centrado en la investigación y desarrollo de diversas estrategias y condiciones, donde cuadro a cuadro, se reformula varias premisas para extraer de ellas nuevos significados. Se intenta prescindir de lo superfluo de esas imágenes sintetizándolas cada vez más para dar mayor importancia a los problemas pictóricos.

Así pues, se crea una historia interna de problemas, construyendo la imagen a través de la pincelada donde la impronta gráfica, sus variaciones en la factura y sus distintas velocidades en el trazo, son las variables cruciales del proceso en que se descarta tapar o borrar los pasos previos o tanteos, dejando ver una intención formal.

 

  • Broto. Color vivo (P. 04)

Del 19 de marzo al 27 de septiembre

La exposición está formada por una selección de obras recientes de gran formato, muchas de ellas inéditas. Las más antiguas son de 2005 y las más recientes de 2014. Entre ellas destacan las pertenecientes a las series El color del hielo (2011) o Secos arabescos (2013). Los títulos escogidos enfatizan una figura retórica que siempre ha atraído al artista: el oxímoron. Formalmente, el tratamiento de imágenes con colores ácidos y armonías forzadas, con un substrato en ocasiones geométrico, agudiza la contradicción de los elementos e introduce un nuevo sentido.

Las series son una constante en la obra de José Manuel Broto. Todo responde al deseo de perseguir una cierta intensidad formal, de encontrar una densidad. Piensa el artista que los cuadros son imágenes escogidas, gestos congelados que esperan próximas contemplaciones sin fin. Son, dicho en términos cinematográficos, fotogramas de un film eterno.

Otras obras presentes en la exposición son las tituladas con las enigmáticas iniciales "E.G." o "L.I.F." Las primeras hacen referencia a El Greco. Los dos cuadros presentes fueron pintados por Broto para la exposición "Entre el cielo y la tierra", en homenaje al célebre pintor. Más conceptual es el significado de "L.I.F.", que responde a tres valroes básicos: libertad, igualdad y fraternidad.

Las abstracciones de Broto nos remiten a emociones relacionadas con ritmos de gestos, en las que el color es el motor de la pintura, ya que el color es luz visible, ilumina, alumbra y da vida.

Folleto de la exposición

Nota de prensa
 

 

  • Héroes de plástico (Sala Lateral)

Del 3 de septiembre al 4 de octubre

Dentro del programa "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón, el IAACC Pablo Serrano exhibe la obra Héroes de plástico de Javier Remírez de Ganuza.

Esta exposición reúne su más reciente producción, a partir del año 2010 pero con especial incidencia en la obra realizada en los dos últimos años. Son lienzos que conjugan figuraciones próximas al informalismo matérico y gestual, al que se van sumando progresivamente elementos significantes y simbólicos, grafías y planos de mayor abstracción. Todo ello expresado con colores brillantes y nítidos. Esta última etapa de su pintura, muestra una evidente evolución hacia planteamientos más complejos y especulativos, abriendo un marco teórico en el que cuestiona la realidad sensorial y la que se escapa al espectro visible. El acto de pintar se convierte en una experiencia libre de referencias, a la búsqueda de un lenguaje propio.

Héroes de Plástico habla de una búsqueda hacia el idealismo, escapando de la realidad de la actual sociedad de consumo, cargada de objetos industriales, deseos sintéticos y necesidades inventadas. Se ahonda en un primitivismo de la forma y el objeto, a través de estilos y materiales propios del graffiti y el arte urbano. Entre latas de spray, pinceles y colores acrílicos.

Más información: www.javierremirez.com

 

  • Entre mirar y ver (P 00)

Del 14 de mayo al 18 de octubre

El IAACC Pablo Serrano ha acogido la exposición de Julia Dorado Entre mirar y ver, en la que se recogen las últimas obras de la artista, un total de 31 obras inéditas del premio Aragón Goya 2012. Tanto los fieles a la pintura de la artista como los que comiencen a descubrirla con esta muestra, disfrutarán de la descarnada y sincera propuesta de Julia Dorado que aúna elementos revisados del pasado con nuevos gestos y formas a las que consigue llegar tras años de carrera.

En este caso no se ha escogido una distribución cronológica de las obras si no que se pretende que el espectador se pierda por los bosques de color que Julia ha ideado, que los asimile y los haga suyos. Citando al pintor Juan José Vera, gran amigo de Julia, "sus obras están vivas, tienen temblor, latido, tienen ese algo latente que no sabemos lo que es, pero que te dice algo".

En los lienzos se pueden identificar elementos que han sido toda una constante en su carrera; son puertas o ventanas abiertas, bien a uno mismo, bien al mundo exterior, que dejan al espectador ante una sinfonía de colores que lo invitan al silencio. Julia Dorado nos conduce así a entrar en atmósferas cromáticas, más de luces cálidas que de sombras frías, de mundos sensitivos y ventanas abiertas.

Hoja de Sala

Entre mirar y ver. Texto de Alejandro J. Ratia

 

  • Zaragoza: Crónica y memoria. Retazos de una ciudad (P 04)

Desde el 6 de octubre al 8 de diciembre

Exposición promovida por el Departamento de Educación, Cultura y Deporte del Gobierno de Aragón, en colaboración con el Colegio Oficial de Arquitectos de Aragón. La muestra se inscribe en el Programa “Semana de la Arquitectura” que se celebrará del 5 al 9 de septiembre de 2015.

La forma de una ciudad es la cartografía de historia, historia de una evolución marcada por los diferentes objetivos que, a lo largo del tiempo, marcan el carácter y morfología de las ciudades. El objetivo de la exposición es dar a conocer parte de la historia de nuestra ciudad, especialmente en los aspectos urbanísticos. Los paneles temáticos describen el relato de forma transversal, en relación con un espacio concreto, o un elemento urbano específico. Son como los toques cromáticos de una composición puntillista, visiones fragmentarias que contribuyen a conformar la visión global del conjunto de la ciudad. El conjunto nos brinda una visión de la totalidad, ya que esa totalidad existe en cada uno de sus aparentes fragmentos.

 

  • Multiverso (Sala Lateral)

Del 12 de noviembre al 13 de diciembre

Dentro del programa "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón, el IAACC Pablo Serrano exhibe la obra Multiverso de Alejandro Ramírez Ariza.

Multiverso es una videoinstalación que formaliza la primera etapa de un proyecto en el que lleva inmerso varios años. Propone una mirada reflexiva sobre la vida de dos personas muy cercanas a él, sus padres. Dos jubilados de 70 años que viven solos en el campo. Ambos han estado registrando sus vidas diariamente con cámaras de video durante estos años, dejando testimonio de su día a día y generando inconscientemente un relato sobre la vejez y la vida en pareja.

La videoinstalación está constituida por dos proyecciones simultáneas, de distinta duración y contrapuestas sobre la pared central de la sala de exposiciones. Cada proyección corresponde con la mirada de uno de los padres, de modo que el espectador deberá moverse entre ambas. Aquí el autor se sirve de la noción del montaje audiovisual (vídeo) y del montaje expositivo (instalación) para establecer toda una serie de relaciones entrecruzadas con el tiempo y el espacio narrado y experimentado.

El título escogido por Alejandro Ramírez Ariza para su videoinstalación nos hace pensar en dos mundos que existen en un tiempo y un espacio único, regidos por sus propias leyes.

Alejandro Ramírez Ariza (Zaragoza 1981) estudió en la Escuela de Artes de Zaragoza, es licenciado en Bellas Artes por UCLM en Cuenca. Realizó estudios de posgrado en la Hochschule für bildende Künste de Hamburgo y acaba de finalizar un master en cine experimental y prácticas audiovisuales contemporáneas en Lens, Escuela de Artes Visuales, Madrid. Actualmente acaba de recibir una beca para desarrollar su trabajo artístico durante el año 2015-2016 en Espacio Oculto, Madrid.

 

  • Scriabins´s Subjectivity (Sala Lateral)

Del 17 de diciembre de 2015 al 16 de enero de 2016

El IAACC Pablo Serrano exhibe la instalación interactiva Scriabin´s Subjectivity de OPN Studio dentro del programa "Impulso Lateral" promovido por la Dirección General de Cultura y Patrimonio del Gobierno de Aragón.

Scriabin´s Subjectivity, instalación interactiva audio-visual, investiga y reinterpreta el estudio del "parte aguas" Alexander Scriabin, compositor, sinesteta y pianista ruso. Scriabin estableció asociaciones entre la música, el color y "los estados del alma" o emociones. Una correspondencia de color-tonalidad musical a la que Scriabin añade un elemento más, la emocion humana, es decir, una correspondencia sinestésica tripartita, replanteando la idea de una "obra de arte total" y el uso de la tecnología en el arte sinestésico. Scriabin no pudo completar su obra por falta de medios debido al escaso avance tecnológico de la época, por lo que gracias a las nuevas tecnologías actualmente existentes, reinterpretamos su estudio pudiendo plasmar esa asociación tan sugerente.

Esta correspondencia color-tonalidad musical-emoción, no parece tener relación con las descirtas por "sinestetas clínicos" sino ser emanadas de la subjetividad de Scriabin, así como el haberse asistido del círculo de colores de Newton.

OPN Studio (Susana Ballesteros y Jano Montañés) aúnan una complementaria formación en base a diferentes campos como son arte, diseño, mecánica, electrónica y audivisual, todos ellos presentes en su obra.

Más información: www.opnstudio.com

 

  • Contextos Múltiples. Colección Escolano

Centro Cultural de España - CCE Buenos Aires

El Centro Cultural de España en Buenos Aires ha exhibido la muestra Contextos Múltiples. Colección Escolano con 86 obras gráficas de artistas españoles y extranjeros de la segunda mitad del siglo XX. La exposición pretende mostrar de manera coherente y ordenada algunos de los fondos más representativos de la colección donada al Gobierno de Aragón en 1995 por Román Escolano a través de los diferentes formatos del coleccionismo de obra gráfica. Integrada por más de 400 estampas, libros o carpetas, la colección incluye grabados de más de 50 artistas activos durante el período 1954-1994 como Eusebio Sempere, Manolo Millares, Grupo Equipo Crónica, Antonio Saura, Eva Lootz, Andy Warhol o Maruja Mallo, entre otros.

Integrante de la colección fundacional del IAACC Pablo Serrano con sede en Zaragoza, la muestra ha visitado ahora Buenos Aires luego de viajar a Santiago de Chile y Rosario. El itinerario de la exhibición ha permitido exponer y reconocer la importancia del coleccionismo en la difusión del arte contemporáneo del siglo XX y su contribución al desarrollo e impulso de la creación artística en los formatos y técnicas vinculadas a la obra gráfica.

Organiza:

  • AECID - Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo
  • Centro Cultural de España - CCE Buenos Aires
  • Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos Pablo Serrano

 

  • En torno a una generación. La Colección (Salas 00 y 04)

De Diciembre 2015 a Abril de 2016

                                                                 ¿Por qué no apuntar ya con las obras de hoy a lo que vendrá mañana?
                                                                 Pablo Serrano para Heraldo de Aragón (septiembre de 1973)


En torno a una generación. La Colección forma parte del programa expositivo que el IAACC Pablo Serrano dedica periódicamente a mostrar a los ciudadanos los fondos de su colección permanente. En esta ocasión, se presenta una doble muestra que gira en torno a dos generaciones y que ofrece una suma de identidades con la que comunicar la heterogeneidad del panorama artístico aragonés contemporáneo.

En la Sala P00, el protagonismo recae en las obras que ingresaron en el museo entre los años 2004 y 2008 y cuya autoría correspondía a una serie de artistas que, por aquel entonces, apuntaban a un mañana prometedor que es ya un hoy consagrado. Atendiendo a esta vocación, la Sala ha quedado tomada por las obras de Teo González, Javier Peñafiel (1964), Mario Ayguavives (1968), Martínez Carnicer, Lina Vila (1970), Natalia Laínez (1973), María Enfedaque, Fernando Martín Godoy, Peyrotau y Sediles (1975), Javier Joven y Mapi Rivera (1976). El resultado es un espacio en el que conviven la pintura y la fotografía y en el que dialogan diferentes lenguajes y temas como la abstracción y la figuración, el desnudo, el hombre y la mujer, la ciudad y la naturaleza.

La Sala 04 está dedicada a aquellos autores nacidos en los cincuenta que iniciaron su trayectoria artística en la década de los setenta y que están representados en los fondos del museo. La nómina abarca creadores como Izaskun Arrieta (1948), Víctor Mira (1949-2003), Mosé Manuel Broto (1949), Rosa Gimeno, Gonzalo Tena, Alicia Vela (1950), Miguel Galanda, Ángel Pascual Rodrigo / La Hermandad Pictórica, Fernando Sinaga (1951), Sergio Abraín (1952), Enrique Larroy, Paco Simón (1954), Ricardo Calero, Javier Codesal y Vicente Pascual Rodrigo / La Hermandad Pictórica (1955).

El principal objetivo es acercar al público una parte de la colección que custodia este museo y que, de la observación de las obras, surjan preguntas y reflexiones que nos lleven a un mayor conocimiento y a un mayor disfrute de las mismas.

 

  • La era del Entusiasmo. Los ochenta en la Colección Circa XX (P 03)

Del 17 de febrero de 2015 al 10 de abril de 2016

Los ochenta en la Colección Pilar Citoler es una exposición formada por una serie de obras fechadas fundamentalmente en esa década, aunque también se han incluido algunas de autores que, habiendo tenido una gran importancia en ese período, están representados en la colección con pinturas realizadas anterior o posteriormente.

Aunque referida fundamentalmente al arte español, en esta muestra tienen su lugar los movimientos internacionales; el neoexpresionismo alemán, los nuevos salvajes representados por Baselitz, la transvanguardia italiana con Enzo Cuchi o Sandro Chia. En el panomarma español, la generación de jóvenes artistas que toma las riendas de la vuelta a una pintura más expresionista como José Manuel Broto, gestual y lírico, o Jose Mª Sicilia, alejado de la figuración y seducido por la materia.

Y, junto a estos, un grupo de pintores que con punto de partida en Luis Gordillo, también presente en esta muestra, protagonizan en los ochenta el regreso a la figuración, al relato, a la anécdota. Así, los mitos y perspectivas clásicas de Pérez Villalta, las reflexiones de Carlos Franco en torno a la figura, con sus deformes personajes mitológicos, o la poesía de Miguel Ángel Campano, que convierte la naturaleza en sensación, hasta las irónicas y lúdicas representaciones de DisBerlin.

La premisa de que se parte en esta exposición es el gozo y disfrute estético: el goce de pintar, el gozo al contemplar la era del entuasiasmo. La pintura es un testigo más de la historia, un protagonista mezclado con la gente, a la búsqueda de la estética y de la ética. Es la aportación personal de un artista en un espacio temporal al que da riqueza y nobleza.

Folleto de la exposición


09 \ 03 \ 2015 -
Gobierno de Aragón
IAACC Pablo Serrano
Paseo María Agustín, 20, 50004 Zaragoza
976 28 06 59 \\\ 976 28 06 60
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