VUESTRA OBRA

Museos por la igualdad: diversidad e inclusión es el tema para la edición de 2020 del Día Internacional de los Museos (DIM), que se celebra el 18 de mayo, desde hace más de 40 años.

El objetivo del DIM es concienciar sobre la importancia de los museos como medio para el intercambio cultural, el enriquecimmiento de las culturas, así como para el desarrollo de la comprensión mutua, de la colaboración y de la paz entre los pueblos. 

Debido a la actual situación de pandemia, este año el DIM 2020 se celebra mediante la organización de actividades digitales. En este contexto, el IAACC Pablo Serrano se suma a la celebración con la propuesta Vuestra obra, entre otras, en la que os invitamos a participar seleccionando una obra, entre las propuestas, que será expuesta al público tan pronto el Museo abra sus puertas. Puedes elegir tu obra hasta el día 21 de mayo.   

Las obras 

• Francés de la Campa, Juana

Presidentes de Consejo, 1978

Parecen ser dos presidentes de consejo que, al igual que los Mandados, están realizados con cables, tuercas, relojes, engranajes, ruedecillas. Se encuentran sobre unas gradas sobre las que contemplan el resto del mundo.

La obra pertenece a su tercera etapa conocida como Homínidos. Es una pintura tridimensional, protagonizada en su mayoría por la serie El hombre y la ciudad, comprendida desde el año 1963 hasta finales de la década de los setenta.

En relación a la serie El hombre y la ciudad, Juana Francés expresa:

"…me cuesta mucho emocionalmente mi trabajo, porque quiero llevar a él las dos constantes que afectan la condición humana. Por dentro, la soledad, el vacío, la nada. Por fuera, la agresión multiforme en su relación “individuo sociedad”. Porque el entorno de que se ha rodeado el hombre es cada vez más angustioso, realmente agobiador"

• Saura Atarés, Antonio 
  

Cementerio de los suicidas, 1950

Cementerio  de los suicidas pertenece a la serie Paisajes y fue portada del catálogo de la primera exposición individual de Saura en Madrid, Pinturas surrealistas de Antonio Saura, en la Galería Buchholz, en marzo de 1951.

En sus Paisajes, Saura trataba de reflejar "el verdadero paisaje del subconsciente, paisaje que no podía ser otro que el vacío absoluto donde flotan los detritus de la noche oscura. Ausencia como decorado, ingravidez como energía, silencio como fondo, noche interior, lugar matriz como paisaje. Trataba de fijar las capturas de una forma verosímil para demostrar su simbólica conexión con el removido poso de la memoria, con los mecanismos del nacimiento del recuerdo dentro de nuestro propio paisaje".

En el catálogo de esta exposición de 1951, Saura dice: "Hemos de pintar todas las imágenes aparecidas mágicamente; todas las escenas invisibles que sabemos existen; todas las imágenes registradas por la cámara de los sueños; todas las imágenes reales provistas de un contenido mágico; todas las fantásticas creaciones, deformaciones e idealizaciones fraguadas conscientemente... Hemos de hundirnos cada vez más en la oscuridad y rodearnos de luz, a fin de intentar descubrir y plasmar acertadamente todo aquello misterioso, profundo, escondido".

• La Hermandad pictórica

Heterodoxos aragoneses, 1972

En una estancia que preside, a escala monumental, la imagen de la Virgen del Pilar aparecen las figuras de ocho ilustres aragoneses ataviados con uniformes de militares nordistas norteamericanos. Estos personajes, tal y como parecen descritos en una inscripción en el bastidor del cuadro son (de izquierda a derecha): Ramón J. Sender, Miguel Labordeta, Miguel Servet, Luis Buñuel, Ramón y Cajal, Francisco de Goya, Joaquín Costa, y Pablo Gargallo. 

Ángel Pascual Rodrigo y Vicente Pascual Rodrigo formaron desde 1974 hasta 1989 la Hermandad Pictórica, si bien fue en 1971 cuando presentaron en público las primeras pinturas realizadas y firmadas por ambos, obras de carácter Pop-art pero con un objetivo de carácter socio-político. Su creatividad les llevó a ser pioneros en lo que más tarde pasaría a ser denominado como instalaciones.

A partir de 1975 cada uno de ellos comenzó a trabajar sus propias obras en solitario pero con planteamientos y firma comunes. Durante este periodo, y hasta 1989, continuaron exponiendo sus trabajos conjuntamente. 

• Mira, Víctor

Sin título, 1970

Sin título es una obra temprana de la produccción artísticade Víctor Mira. Se trata de una composición a modo de bodegón, llevada a cabo a través de la síntesis y el rigor compositivo de unos pocos elementos. La bicromía del fondo, los planos rectos y el extraño objeto suspendido en el aire, junto con la sombra que proyecta, introduce al espectador en un paisaje onírico, de gran carga simbólica, característico de las obras de estos primeros años setenta. Son muy evocadores las tonalidades dominantes de la obra, azul intenso y negro, que le recordaban al artista su ciudad natal, y es que como reconocía no hay más verdad que el negro y el azul purísimo del cielo de Zaragoza. Años mas tarde recuperaría esta bicromía como elemento identificativo en la serie "Bachcantata", llevada a cabo en los años 1989 y 1990.

Víctor Mira ha sido uno de los artistas aragoneses más relevantes de las últimas décadas, una figura destacada de la plástica aragonesa y creador más destacado en el panorama nacional en Arco 2003.

Vídeo DIM2020

MUSEUM WEEK (DEL 11 AL 17 DE MAYO)

Domingo, 17 de mayo. #Sueños

Los más bellos proyectos comienzan con sueños... Construir el mundo del mañana requerirá sueños.

Cerramos esta Museum Week rindiendo un sincero homenaje a nuestros mayores, los más castigados por la pandemia; aquellos que comenzaron su trayectoria vital como niños de la guerra civil, y cuyos sueños, esperanzas y luchas contribuyeron a construir un mundo mejor. Su ejemplo es un poderoso estímulo para superar esta desconocida etapa que comienza.

En la imagen, La madre ante casas de pueblo, estampa de Antonio López (1962)

MUSEUM WEEK (DEL 11 AL 17 DE MAYO)

Sábado 16 de mayo. #Tecnologías

La tecnología es una manera de crear vínculos entre la gente. A lo largo de este período de confinamiento el Museo, en su vocación de servicio público, ha mantenido el contacto con el público a través de las RRSS, ofreciendo contenidos de nuestros fondos museográficos, de las exposiciones vigentes y participando en la celebración de eventos como el Slow Art Day y la MuseumWeek.

Hoy os invitamos a participar en nuestras RR.SS. y a hacer un recorrido virtual en Google Arts Project.

MUSEUM WEEK (DEL 11 al 17 de mayo)

Viernes, 15 de mayo. #Clima

La toma de consciencia de la crisis climática es uno de los temas de actualidad en nuestro tiempo.

Uno de los Objetivos de Desarrollo Sostenible es la Acción por el clima: el reciclaje se posiciona como una herramienta clave en la lucha contra el cambio climático.

En este contexto, recordamos hoy a Pablo Serrano en la Serie Hierros. Ordenación del caos, una serie escultórica que expone por primera vez en 1957, compuesta por obras abstractas creadas a base de hierros encontrados y soldados, a los que se suman elementos de desecho, clavos, guijarros y minerales. A través del ensamblaje, estos elementos no pensados para formar parte de una obra artística, adquieren un nuevo significado.

En la Serie Hierros podemos reconocer de manera clara la influencia de Julio González que, como el mismo Serrano reconoce, le marcó profundamente:

 “Julio González en lo que tiene de afectivo y me influye, más que su concepción plástica es su sentido de la libertad de crear. El objeto se libera de la masa, con lo que coincido aplicando sus experiencias a las mías en lo que de esperanzador tiene el problema aplicado al hombre y su materialidad o masa opaca. (…) Este es el contacto que siento con él. Un ansia de liberar al hombre de su opacidad y por esas vías descubrir los caminos de la esperanza, la puerta para su comunicación y su libertad.” 

MUSEUM WEEK 2020 (DEL 11 AL 17 DE MAYO)

Jueves, 14 de mayo. #Momentosmuseo

Hoy queremos compartir una breve historia del Museo y rememorar los buenos momentos vividos en él.

Desde el edificio original, diseñado por el arquitecto Julio Bravo en 1987, el edificio comenzó el proyecto de rehabilitación a cargo del arquitecto D. Jose Manuel Pérez Latorre. La ampliación dotó al Museo de espacios amplios y abiertos, con tres espacios expositivos y salas de reserva donde se custodiaban los fondos no expuestos de Pablo Serrano junto a las colecciones de arte contemporáneo del Gobierno de Aragón asignadas al Museo de forma permanente.

A medida que el Museo fue asumiendo una mayor actividad, con la propuesta de convertirse en Centro de Arte Contemporáneo Aragonés, el Gobierno de Aragón emprendió una ambiciosa ampliación en 2008 hasta convertirse en el edificio actual que da cabida a exposiciones permanentes de Pablo Serrano, exposiciones temporales de arte contemporáneo y un amplio abanico de actividades culturales: visitas guiadas a las exposiciones, presentación de libros, proyección de documentales, seminarios, ensayos de las compañías de danza, ciclos de música y de cine, actividades educativas…, una amplia oferta cultural que esperamos reanudar pronto.

MUSEUM WEEK 2020 (Del 11 al 17 de mayo)

Miércoles, 13 de mayo. #Juntos

Este es el tema principal de este año, un homenaje a la colectividad, la comunidad y los esfuerzos conjuntos. ¡Solo irás más rápido, juntos llegaremos más lejos!

Pablo Serrano y Juana Francés, fruto de su relación y desde distintas soluciones plásticas, buscaban aproximarse y reflexionar sobe una preocupación que fue común a ambos: la vulnerabilidad del ser humano. 

Dentro de su interés por la situación del ser humano en la sociedad contemporánea, Pablo Serrano comienza a trabajar en la Serie Fajaditos (1962-1963), protagonizada por personajes deformes y desproporcionados que, como su nombre indica, aparecen completamente fajados. Las vendas que cubren a estos seres no cumplen un fin sanador sino una función inmovilizadora y de ocultación, al cubrir la mayor parte de su anatomía. ¿Qué simbolizan estas figuras satíricas? ¿Una denuncia de la falta de libertad de expresión?, ¿un retrato de aquellos que no tienen voz ni presencia en la sociedad actual? Los Fajaditos, que tienen un valor atemporal, son aquellos que se encuentran más allá de los márgenes fiados por la sociedad.

Entre 1963 y 1964 Serrano introdujo algunos cambios en esas obras al añadir a los fajaditos pequeñas piezas metálicas de desecho que transformaron el aspecto de estos personajes, y que también se fundieron en bronce. Manteniendo la deformación marginal propia de esta serie, estos seres adquirían ahora una apariencia que les aproximaban a una especie de hibridación con la máquina. Serrano desarrolla este tratamiento plástico y su planteamiento conceptual paralelamente a Juana Francés, que en esas fechas estaba trabajando en sus primeros “Homúnculos”, seres deformes creados también a partir de desechos.

En la obra El hombre y la ciudad, correspondiente a su etapa conocida como Homínidos, Juana Francés nos presenta un cubo tridimensional en el que aparecen tres ventanas, una dentro de otra; en la central, aparece un “rotópedo”, homínido con extremidades acababas en dos ruedas. Con este juego óptico, la artista provoca una gran sensación de angustia y claustrofobia, ya que el homínido se encuentra encajonado. 

MUSEUM WEEK 2020 (Del 11 al 17 de Mayo)

Martes, 12 de mayo. #Culturaencuarentena

Hoy te proponemos el reto de recrear una escultura con objetos reciclados que encontréis por casa. Como fuente de inspiración te sugerimos una obra de la colección permanente del IAACC Pablo Serrano:

• Espiral, de Pablo Serrano, una pieza escultórica perteneciente a la Serie Hierros, construida a partir del assemblage de diferentes materiales de desecho realizados en hierro, de distintos tamaños y en diferente disposición unos respecto a otros. Dispuesta sobre una base conformada por el estator de un motor eléctrico, el elemento central de la obra lo constituye una espiral que, al sustentarse en dos finas varillas, casi parece quedar suspendida en el aire, dibujando unas líneas curvas rotas por la linealidad que marca el vástago que aparece tras ella y que concede a la obra un sentido ascensional que estiliza y equilibra los volúmenes que dan forma al conjunto de la composición.

Muy ilustrativo del trabajo de esta etapa resulta el texto que Serrano escribió sobre la misma, en el que se concentran la idea de object trouvé y de ensamblaje o collage escultórico que aplicaría en sus obras:

Un día subí al Vesubio y sentí el deseo de recoger escoria volcánica para aplicarla a mis trabajos. Había recorrido antes Pompeya, Herculano y Stabia. Un día anduve por un campo que parecía un osario prehistórico, por la forma e sus piedras; algunas de ellas estaban horadadas. Un día entré en una chatarrería y observé clavos de derribo y chapas de hierro. Sentí el deseo de agrupar todos esos elementos y ordenarlos. Trabajé intensamente hasta lograr imprimirles la emoción sentida y me encontré cómodo.

Museum Week 2020 (Del 11 al 17 de mayo)

Lunes, 11 de mayo. Héroes

Hoy iniciamos la Museum Week, todavía inmersos en el estado de alarma, aunque ya comenzamos a vislumbrar un horizonte de luz. Por ello queremos iniciar la semana agradeciendo a todos aquellos que han luchado y siguen haciéndolo por que esta pandemia pase lo antes posible y del modo menos dañino para todos. En primer lugar a los sanitarios, pero también a las fuerzas de seguridad, a todos los que forman parte de la cadena alimentaria, a los gestores públicos, a los profesores, a los medios de comunicación, y como no, a todos aquellos artistas y trabajadores de la cultura que han puesto todo de sí mismos para mantener vivo y abierto el espíritu de los que hemos vivido confinados en nuestras casas.

Acompañamos este agradecimiento con la imagen de esta obra que forma parte de la colección del IAACC Pablo Serrano. Con ella queremos representar a todos aquellos que, detrás de una mascarilla, son los héroes de esta pandemia.

Pero quizás esta imagen pueda transmitirnos muchas más cosas. ¿Qué nos estará diciendo la mujer retratada y semi velada? ¿Qué nos transmite su intensa mirada? ¿Miedo? ¿Esperanza? ¿Crítica? ¿Se está ocultando o se está asomando al exterior? ¿Quién es? ¿Qué momento está viviendo? ¿Está viendo la luz?

Esta obra es una fotografía intervenida, sin título, sólo identificada con un número, el 144. Fue realizada en 2003. ¿Quién piensas que puede ser su autor? ¿Una mujer o un hombre? ¿una persona joven o mayor? ¿una persona de qué contexto cultural? ¿Puede responderse a estas preguntas a la vista de la imagen? ¿Nos dice la obra algo sobre su autor?
 

La obra, Sin título, 144, fue realizada por Susy Gómez en 1964, una artista multidisciplinar nacida en Mallorca. Su trabajo se construye a partir de una reflexión sobre la identidad, con voluntad de explorar la intersección entre el arte y la espiritualidad, la acción social y la identidad individual, apelando a la posición que ocupa el sujeto en el mundo contemporáneo. Sus obras son un trabajo nacido de la voluntad de crear un lugar para la duda, en un presente esquivo, confuso y contradictorio, donde todo se mueve constantemete. Una invitación al espectador para trascender nuestra máscara social y descubrir nuestra identidad. 

Museum Week y Día Internacional de los Museos 2020

El IAACC Pablo Serrano se suma a la celebración del Museum Week, un evento anual en las redes sociales que se celebra entre el 11 y el 17 de mayo a nivel mundial, en la semana previa a la conmemoración del Día Internacional de los Museos. Este año, la organización de la MuseumWeek ha elegido como lema #Togetherness, motivo que cobra especial relevancia en la situación de emergencia sanitaria que vivimos a nivel mundial. 

El día 18 de mayo se celebra El Día Internacional de los Museos, bajo el lema Museos por la igualdad: diversidad e inclusión. El objetivo del DIM es concienciar sobre la importancia de los museos como medio para el intercambio cultural, el enriquecimiento de las culturas, así como para el desarrollo de la comprensión mutua, de la colaboración y de la paz entre los pueblos.

Para celebrar ambos eventos, os invitamos a seguirnos día a día a través de las redes sociales. 

Fondos y exposiciones

Semana del 4 al 8 de mayo

• Pablo Serrano. Serie Unidades-Yunta

El sentimiento humanista de Pablo Serrano, su interés por el hombre, aparece también en esta serie Unidades- Yunta (1967-73). A modo de puzzle, las piezas se ajustan perfectamente, se integran en una sola como en un abrazo; es su denuncia ante la incomunicación del ser humano. Las Unidades-Yunta serán el punto de partida, tanto de forma como de concepto, de su serie posterior Pan partido.

Hombres que se comunican, que puedan convivir. Formas que se adaptan. Núcleos que juntos pueden formar una unidad con contactos luminosos, que se ajustan, se aprietan, que puedan formar comunidades y que puedan individualizarse (Pablo Serrano).

• Pablo Serrano y la escultura pública

Pablo Serrano fue uno de los autores que más activamente trabajó la escultura pública, lo que nos permite encontrar obras de su autoría por toda España y también en América. En Zaragoza, algunas de las más conocidas son las esculturas de San Valero y el Ángel Custodio en la fachada del Ayuntamiento así como el relieve de la Venida de la Virgen del Pilar; en Teruel, tenemos el Monumento a la labradora turolense, y en Huesca, la escultura de Ramón y Cajal.

Ahora que volvemos a pasear por la ciudad, os proponemos “redescubrir” nuestras calles con una mirada atenta a los distintos monumentos que en ella podemos encontrar y que, a veces, las prisas del día a día nos impiden ver. 

• PALOMA MARINA. I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres

PALOMA MARINA
Manzana, sartén, bomba, 2012-2019

Desear y ser deseada. Darte permiso, aunque pierdas alguno de los atributos que se asocian a la feminidad durante la enfermedad. Parte de una serie sobre erótica y cáncer en colaboración con la fotógrafa Pipa Alvárez.

La obligación de alimentar a la familia, simbolizada por la sartén, provoca aburrimiento, cansancio, hastío... Qué mejor que liberarlo con un grito.

Rebelión, si me llaman algo, que sea rebelde y canalla.

Tres iconos, tres mujeres y el color rojo como hilo conductor de una forma de mirar.

pamarinak@yahoo.es
http://purocaprichos.blogspot.com/

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso

“Fernández-Alvira ha puesto en marcha un importante giro formal a su producción; sus últimos trabajos activan nuevos caminos, complejos y arriesgados, que le sitúan como uno de los artistas más brillantes y prometedores de su generación.” Así lo cuenta el crítico Carlos Mayordomo en el catálogo de la exposición Elementos para un discurso que podéis ver en nuestra web. 

Es una exposición que explora un interesante camino, no solo por su apuesta estética basada en la belleza de la ruina, la luz y la sombra, sino también por el importante mensaje que quiere transmitir. Fernández Alvira, como hemos ido viendo las pasadas semanas, busca que adquiramos una posición crítica. Sus fakes pretenden que el espectador tome conciencia de la necesidad de someter a crítica toda pretensión de establecer una verdad esencial e irreductible. Y eso es algo que nosotros también queremos.

Desde el IAACC Pablo Serrano deseamos animaros a conocer más y a que os hagáis preguntas. Queremos participéis, reflexionéis y que seáis conscientes de que el museo solo hace una presentación de las muchas posibles y solo exhibe unos pocos objetos de los muchos que conservamos. Por ello siempre estamos trabajando en nuevas exposiciones con nuestros fondos.

Pronto los museos abriremos las puertas de nuevo y os estaremos esperando para mostraros otras historias, otros relatos, otras formas de ver el mundo a través de nuestras colecciones.

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

Para terminar la semana, os queremos dejar esta reflexión de la artista oscense, Premio Aragón Goya de las Artes en 2015, relativa a su serie Proceso de una Resurrección, de plena actualidad en estos días …

Vuelta a la vida, a la lucha, al trabajo, al amor, al color (…).

El trabajo es la salvación.

La creación me da vida y esa felicidad intransferible que siento cuando manejo mis pinceles y pigmentos sobre lienzos inmaculados que se llenan de significado.

Fondos y exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Semana del 27 de abril al 1 de mayo

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•  Pablo Serrano. Serie Hombres Bóveda

La década de los años sesenta se inicia y concluye,en la obra de PabloSerrano, con una única preocupación centrada en el hombre y que ahora evoluciona hasta aspectos relacionados con la comunicación, con la conexión entre esa luz interior que encuentra en la materia y el exterior que rodea al hombre, sus circunstancias, sus iguales.

Un paso más en su preocupación por el Hombre son sus Hombres con puerta. Se caracterizan por anatomías deformes con una puerta cuya apertura deja ver un interior brillante, pulido, esperanzador, absolutamente espiritual. A través de esa puerta expresa un ansia de comunicación de la palabra y de los sentimientos.

• Pablo Serrano. Serie Hierros. Ordenación del caos

Tauróbolo es la primera obra que Pablo Serrano expuso en el Museum of Modern Art de Nueva York. Esta obra, que hoy forma parte de nuestra exposición permanente, es una de las grandes esculturas de la serie Hierros que, junto con Espacio, también de nuestra colección, participó en la mítica “New Spanish Painting and Sculpture” celebrada en el MoMA en 1960.

Tauróbolo, expuesta junto con la pintura Toledo de Rafael Canogar, ocupó un lugar privilegiado al dar la bienvenida al visitante que accedía a la muestra en el centro neoyorquino y que después recorrería diferentes museos estadounidenses. 

• PRADO VIELSA. I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres

PRADO VIELSA
Obligada desmemoria, 2019

Obligada desmemoria forma parte de un proyecto que comenzó con un objeto de artista que Prado Vielsa realiza en 2015 y que ha sido expuesto en la Feria Masquelibros de Madrid y en la Feria Ex de Sevilla. Consistía en tres placas de Petri con imágenes traslúcidas de suelos en el interior y unas coordenadas GPS escritas en la tapa. Hablaban de los desaparecidos y fusilados por el franquismo durante y después de la guerra, de los silenciados que siguen enterrados en las cunetas de nuestro país, de nuestro territorio más próximo.

Este objeto de artista fue el precursor de un proceso de investigación plástica y documental. En 2018, se expuso una instalación de cinco fotografías y cinco placas de Petri en Zaragoza en Córner Miz Las Armas.

En esta ocasión en el IAACC Pablo Serrano podemos observar un suelo de monte bajo de la provincia de Soria, retroiluminado, con tres placas de Petri apoyadas físicamente sobre él y con unas coordenadas GPS escritas: "Obligada desmemoria - esperan bajo nuestros pasos, invisibles, anónimos".

http://www.pradovielsa.es/

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso

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La exposición de Fernández Alvira se cierra con un grupo de piezas que siguen el mismo concepto que las presentadas el pasado jueves pero magnificándolo.

Ahora las estructuras metálicas se han desprendido de la pared y se yerguen en la sala invitándonos a recorrerlas, a rodearlas, a observarlas más de cerca. Su recorrido en el aire se ha vuelto más complejo, con más curvas y quiebros y el vacío cobra mayor protagonismo. También destaca la sombra, duplicando en el suelo la compleja línea metálica y dando una mayor riqueza visual a la pieza, todo ello gracias a la atención que el artista ha prestado a la iluminación de sus piezas. 

Estas complejas estructuras siguen funcionando como una peana para mostrar fakes arqueológicos aunque ya no son neutras como las de los museos sino que se han convertido en elementos artísticos. Al mismo tiempo los fakes han perdido su personalidad y son un mismo elemento simple, geométrico, repetido en diversas tonalidades de grises. Todo ello nos lleva a olvidar por un momento el concepto y la crítica que hay detrás y a deleitarnos simplemente con la gran sensibilidad de estas esculturas que rompen con la pesadez de la escultura tradicional.

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

El título de la muestra La jaula se ha vuelto pájaro nos devuelve en estos días una imagen de esperanza, de posibilidad de poder salir de donde estemos encerrados.

Parte de su obra hace referencia a esa lucha continua de las mujeres que “hasta ahora, y todavía, seguimos dentro de una jaula. Hay que ser muy fuerte para romper esos alambres que te encorsetan, que te impiden hacer un montón de cosas”.

Teresa nació en Lupiñén (Huesca) en 1945.“Para ser reconocida tienes que hacer cien veces más que un hombre. Ser mujer casada, con hijos, es muy duro porque no ven que tú eres artista". En palabras de Luis Alegre, “Teresa ha atravesado muchas Españas, algunas muy duras, desde la posguerra. Su coraje y su talento le han permitido siempre sacar la cabeza, como el perrito de Goya en ese cuadro que ella tanto venera. Es una número uno del arte. Pero también de eso que se llama resiliencia, el poder para no hundirse, pase lo que pase”

Desde aquí nuestro recuerdo y homenaje a las mujeres de su generación, extensivo a esas otras que están sufriendo, bien por estar en primera línea en sectores sociosanitarios, o como cuidadoras de familiares dependientes, o en situaciones de vulnerabilidad o violencia.

Día Internacional de la Danza

29 de abril de 2020

El Día Internacional de la Danza se celebra el 29 de abril desde que fue establecido en 1982 por el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI). Esta fecha conmemora el nacimiento de Jean-Georges Noverre (1727), bailarín y maestro considerado el creador del ballet moderno. El objetivo de esta celebración es el de reunir a todos los que han elegido esta forma de expresión artística para superar barreras culturales, políticas y éticas, y celebrar esta forma de arte y su universalidad. 

Se busca fomentar la participación y la atención del público sobre la importancia del arte y la cultura de la danza. Es un día de fiesta que celebran todos los países del mundo con espectáculos dedicados a la danza, clases abiertas, ensayos al aire libre... Aunque este año será un poco diferente.

Fondos y exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Semana del 20 al 24 de Abril

• Pablo Serrano. Serie: Divertimento con Picasso, la guitarra y el cubismo

Divertimento con Picasso es la última de las series concebidas por el artista, completamente diferente a las series realizadas por Serrano hasta la fecha. Realizada entre 1984 y 1985, utiliza la escayola, el hierro y el bronce para rendir homenaje a Pablo Picasso, centrándose en la guitarra como eje para realizar sus obras. En 1985 participó con esta serie en una exposición en el Museo Guggenheim de Nueva York, siendo la última exposición del artista antes de fallecer en noviembre de 1985.

Serie Divertimento con Picasso [Vídeo]

• Pablo Serrano. Retratista Retratado

Cercano ya el 23 de abril, hoy queremos recordar la amistad que compartieron Miguel Labordeta y Pablo Serrano rescatando para ello la Interpretación al retrato que en 1957 el escultor dedicó al poeta zaragozano y que generosamente depositó la familia Labordeta en el IAACC Pablo Serrano. Años después de su creación, Oliván Bayle evocaría en las páginas de Heraldo de Aragón el momento en el que Serrano retrató a Miguel y que nos habla, no sin ciertas dosis de literatura, de la capacidad creadora del autor:

Al encontrarse por primera vez, el escultor observó las características faciales del poeta y, no esperando más, mandó traer barro de donde lo hubiera, pues, dijo, "voy a hacerle una cabeza" (…) Ya llegó el barro, y Pablo, sin pérdida de tiempo, se puso a modelar, más el de Crivillén no había traído herramientas para su trabajo; no fue obstáculo, pues de los cubiertos viejos escogió cuchara, tenedor y cuchillo, más una gran fuente de loza para contener el barro y una plancha de madera. (...) Pronto aquel bloque que descansaba sobre el soporte fue tomando la forma que el artista deseaba, y (...) que retocaba con los cubiertos utilizados como espátulas y cinceles"

• SARAH SHACKLETON. I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres
  

MELTDOWN, Serie Blue: the way it was, 2019 (Acrílico sobre tela)

Esta pintura forma parte de la Serie Blue: the way it was. La artista emplea la línea como elemento predominante, siendo no sólo un elemento plástico en la composición, sino también una clave simbólica para ella. Partiendo de una expresión inglesa, a bee line, cuando dibuja imagina una línea marcada por las abejas en su vuelo. Las líneas fluyen alrededor de los contornos de montañas y glaciares.

Meltdown representa un glaciar de Nueva Zelanda. Con el cambio climático este glaciar está retrocediendo. S. Shackleton lo ha visitado en sucesivas ocasiones a lo largo de los últimos treinta años y por eso tiene relevancia en esta serie de trabajos donde también retrocede en un viaje de nostalgia por su país natal.

El glaciar lleva el nombre del Emperador de Austria, Franz Josef I, pero para los maoríes el glaciar representa una mujer a quien le encantaba escalar montañas, llamada Hine Hukatere. Según la leyenda, ella convenció a su amante Wawe de subir la montaña, aunque él era menos experto, y un día una avalancha acabó con la vida de Wawe. Las lágrimas de Hine fluyeron por la montaña y cuando se congelaron formaron este glaciar.

sarahshackleton62@gmail.com
http://sarahshackleton.com/
Instagram sarahshackleton.art

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso

Elementos para un discurso integra un grupo de pequeñas estructuras metálicas que se despliegan en el espacio y se aferran a la pared. Sobre estas varillas que parecen trazar una fina línea, se disponen pequeñas piezas que simulan ser el fragmento de un edificio antiguo y representan esos elementos del pasado que han llegado hasta nosotros. El perfil metálico sobre el que se disponen simboliza una línea del tiempo, es decir, el discurso que hemos creado para explicar esas piezas antiguas.

Con estas obras, de nuevo busca Fernández Alvira que nos interroguemos, que nos hagamos preguntas sobre los discursos hegemónicos, ahora plasmados metafóricamente en un perfil metálico que sustenta los fakes arqueológicos. ¿Por qué esa línea y no otra? ¿Por qué esas piezas y no otras? De una manera poética plasma la inquietud y las ideas críticas que pretende transmitir con la exposición. Lo hace además desplegando todas las posibilidades expresivas de la escultura, jugando con la forma, con la línea que evoca el movimiento e incluso con la sombra que proyectan sobre la pared, demostrando su exquisita sensibilidad escultórica.

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

La semana pasada nos centrábamos en el tema del color como elemento fundamental en el arte y especialmente en la obra de TeresaRamón; hoy os invitamos a reflexionar sobre el concepto del laberinto, como construcción física y como símbolo.

Laberinto individual y laberinto colectivo, como metáfora de nuestra realidad actual: la mayor parte de las interpretaciones y lecturas realizadas sobre el laberinto coinciden en ver en él una metáfora de los misterios de la vida y de la manera de encararlos. Con la casi interminable sucesión de angostas vías que dan forma a algunas de sus últimas composiciones, Teresa Ramón pretende cubrir la totalidad del papel, suscitando en el espectador una cierta sensación de asfixia que no hace sino evocar la desorientación y el temor que se experimenta cuando alguien se encuentra perdido en medio del laberinto vital. Sin embargo, su opción es transitar el laberinto sin miedo; lo invoca en su pintura, en ocasiones en forma de espiral, con el carácter propiciatorio del arte prehistórico, con el fin último de conocerlo, de atraparlo y de sentirse y ser libre. 

San Jorge, Día de Aragón

23 de abril de 2020

La obra de Natalio Bayo, San Jorge abanderado, es una representación ecuestre del patrón de Aragón, que adopta la imagen de un condotiero del Renacimiento italiano. San Jorge galopa sobre un caballo, animal habitual en la iconografía de Bayo, guarnecido con gualdrapa y cubre-cabeza ornamentados con las barras de Aragón. En la diestra del santo ondea una bandera roja. La imagen de San Jorge abanderado hace alusión al momento en que acude al auxilio de las tropas de Pedro I de Aragón en la batalla de Alcoraz (1096), facilitando así la conquista de Huesca a los musulmanes de la taifa de Zaragoza.

El cuadro fue pintado por Natalio Bayo en 1984. En 1987, el Gobierno de Aragón compra el cuadro al artista y utiliza la imagen como motivo central de la celebración del Día de Aragón, "San Jorge 87".  Ha sido habitualmente exhibido en los espacios públicos del edificio Pignatelli. En 2017 formó parte de la exposición Natalio Bayo. Retrospectiva 1970-2016, celebrada en la Lonja de Zaragoza.

Fondos y exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Semana del 13 al 17 de abril

• Pablo Serrano. Serie Drama y Quema del Objeto (1957-1959)

El Drama del objeto antecede a su Quema. La finalidad de estas series es la búsqueda del vacío y del espacio a través del objeto y de la destrucción, destrucción que llega incluso hasta la quema. La figura es maltratada, deteriorada, rasgada, en un acto artístico casi mágico…

Entre 1957 y 1959, Serrano se encuentra compaginando estas experiencias abstractas al mismo tiempo que comienza a modelar su serie figurativa más representativa: Interpretaciones al retrato. En 1959 participa en las experiencias musicales del grupo que dirige Pierre Schaeffer en una muestra de la Galleria del Disegno de Milán, en donde por primera vez realiza la ceremonnio Quema del Objeto, experiencia que repetiría en otros lugares. El acto como parte de la obra ya había sido experimentado por los dadistas.

Serie Dramas y Quemas [Vídeo]

• Pablo Serrano. Serie Hombres con Puerta

TÚ Y YO SABEMOS,

YO Y TÚ DECIMOS QUE HAY PUERTAS,

ABIERTAS, CERRADAS. TÚ Y YO SABEMOS QUE ABIERTA LA PUERTA,

ABIERTA LA ESPERANZA

Después de tantos días de puertas cerradas, queremos recuperar estos versos escritos por PabloSerrano para trasladarnos el mensaje de comunicación y encuentro con el otro que regía su serie de Hombres con Puerta y que fueron fuente de inspiración para el disco que en 1968 lanzaba a la venta el grupo de pop psicodélico The Hobbits.

El punto de partida de este vínculo musical surgió de la escultura que aquí os presentamos y con la que Serrano participó en la exposición Escultura de veinte países celebrada en el Guggenheim en 1967 y a partir de la cuál The Hobbits escribió el tema principal de su nuevo álbum, bautizado “Men and Doors. Communicate”.

La escultura Hombre con Puerta se convirtió en la imagen de carátula del disco, presidido por este cuerpo de volúmenes orgánicos, amorfos y oscuros que resguardan su interior por medio de una puerta que al abrirse deja a la vista un interior de bronce bruñido y luminoso, “luz tamizada como una esperanza”.

Serie Hombres con Puerta [vídeo]

• I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres

NURIA ASENJO LARROSA

Mirar el amor (2019)
Acrílico sobre lienzo

Esta obra ha formado parte de la exposición itinerante Un mundo singular, organizada en 2015 por TEAdir-Aragón, integrándose en esta ocasión en la I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por mujeres, dentro del eje Disidencias Fronterizas.

Cada uno de los jóvenes que han formado parte de Un mundo singular crea de forma espontánea e intuitiva, al margen de criterios estéticos convencionales, para poner en orden la realidad, construir su propio conocimiento o mostrar mundos interiores. Sus producciones pueden inscribirse en lo que se ha dado en llamar Art Brut o Art Outsider en el cual, por fuera de discursos previos, todo el énfasis está puesto en el acto creativo, de ahí que ciertos estudiosos consideren sus obras como el verdadero Arte.

El mundo es singular para cada uno de nosotros. Y es esto lo que los diferentes creadores nos dan a ver. Ellos nos impactan con sus producciones, punto de anclaje en el espejismo del mundo común en que habitamos. Nos despiertan con su estilo propio, donde la fuerza del color, la perfección de un dibujo, la mezcla de los cuerpos, la construcción de un mundo, el sonido que rasguea una tela, la profusión de detalles o la delicadeza de un trazo nos transmiten, cada vez, un mundo singular.

Nuria Asenjo nació en Zaragoza en 1998. Sus inicios en la pintura tuvieron que ver con la búsqueda de un canal de expresión que diese a conocer un mundo interior y propio al que se le resistían las palabras. Le encanta el cine y es una apasionada espectadora de las aventuras animadas. Los colores brillantes y las combinaciones osadas de los mismos son el legado que las películas dejan en sus creaciones. Su obra es una devolución de esa fusión llena de colores vivos, dibujos rápidos y pincelada intensa.

TEAdir-Aragón: www.teadiraragon.com/
Proyecto Andar de Nones. Contacto: Cristina Laborda
Facebook https://www.facebook.com/Andar-de-nones

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso

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En semanas anteriores hemos explicado cómo Fernández Alvira recurre al fake para hacernos reflexionar sobre la legitimidad de los discursos, pues piezas falsas se legitiman ante nuestros ojos simplemente por estar presentadas como piezas arqueológicas de un museo. Hoy sin embargo nos vamos a fijar en el aspecto estético de su obra.

Parecen elementos arqueológicos de formas azarosas pero están cuidadosamente seleccionados, dispuestos e iluminados por el propio artista para producir un determinado efecto estético. Fernández Alvira estructura las piezas siguiendo la lógica de la unidad geométrica. Las materias elegidas, los acabados, los colores y la disposición de las piezas nos remiten a la poética minimalista.

La cuidada escala de blanco al negro y el juego con la repetición se ejemplifican en una serie de piezas que se disponen verticalmente en la pared pero, en realidad, están presentes en todas las obras, desde las molduras apiladas a los capiteles ordenados en ese falso almacén que os presentamos en semanas anteriores. Con todo ello Fernández Alvira logra transmitirnos la serenidad y la calma de la ruina antigua, así como el orden y el rigor del museo arqueológico que quiere evocar.

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

El color es un lenguaje en sí mismo. En realidad un color no es más que una longitud de onda que nuestro cerebro logra descifrar después de ser percibida por nuestros ojos. Es un elemento fundamental en el arte; nos hace conectar, en ocasiones únicas, con nuestra forma de ver el mundo. Un color siempre estará asociado a una emoción.

El color está enamorado de ti, le dijeron una vez a Teresa Ramón… y es precisamente ese predominio del color el que domina en sus obras, que ocupa con fuerza el lienzo, que nos interroga desde cada una de las pinturas.

En La jaula se ha vuelto pájaro, el color se convierte en el elemento esencial de su nueva obra, continuando lo ya iniciado en su monumental proyecto Le jeu de vivre (2017). Sus obras se van a ver despojadas de buena parte aunque no de todos los símbolos de etapas anteriores, para ceder protagonismo a la explosión del amarillo-Laberinto de otoño-, el azul cobalto -En el laberinto-, y un grana casi magenta -Laberinto de las catedrales-, los tres colores ahora predominantes que ella misma se encarga de preparar a base de una combinación de pigmentos, yeso y aglutinantes. Esta intensa paleta cromática, tan Teresa Ramón, refleja el universo luminoso en el que ha recalado y que quiere dar a conocer a través de estos lienzos en los que el amarillo parece tomado directamente de su nuevo sol, el intenso azul evoca un cielo despejado, sin amenazas, que invita a volar y el magenta infunde la pasión para vivir con valentía. El color impregna todos estos lienzos dejando un rastro de libertad, de ingravidez, de serenidad, de hallazgo de lo esencial.

Fondos y exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Semana del 6 al 12 de abril

• I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres

PALOMA SÁNCHEZ MICHAVILLA

Carving: A “T” Sculpture, en proceso.
Serie fotográfica 2018-2019

Carving: A “T” Sculpture se conceptualiza como una reinterpretación de la obra Carving: A traditional sculpture (1972), de Eleanor Antin. En esta pieza la artista trabajó de forma crítica el
concepto de canon y belleza clásicos, retratando su cuerpo desnudo durante un mes mientras se sometía a un proceso de dieta. De esta forma retrató cómo su propio cuerpo se fue
esculpiendo, de la misma forma que lo haría una estatua clásica.

Carving: A “T” Sculpture (2018-2019) reescribe la obra de Antin a través de otro tipo de cambios corporales, tomando como centro de discusión la potencialidad política de la corporalidad y la representatividad de las identidades trans. De esta forma, el “proceso escultórico”, ocurre en este caso de marzo de 2018 a mayo de 2019 a través de la transición de género “F to M”,
mediante la administración de testosterona o “proceso en T”.

paloma.sanchez.michavila@gmail.com
Facebook: https://m.facebook.com/Paloma-S

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso

En esta segunda parte de la muestra, Fernández Alvira nos introduce en lo que parece la sala de un museo arqueológico; para ello recurre a los mecanismos de exhibición utilizados por la museología arqueológica para que sus “fakes” parezcan piezas antiguas. Sobre peanas, plataformas y recurriendo a otros elementos de soporte ordena una serie de elementos arquitectónicos. En realidad se tratan de elementos de carpintería sin valor histórico que ha reelaborado técnicamente para darles una pátina arqueológica.

La pieza que presentamos (imagen de la izquierda) está formada a partir del fragmento de un viejo marco de madera. De él ha sacado moldes y ha experimentado con diversos materiales (resinas, escayola y cemento) y con distintas escalas y colores. De este modo el marco roto parece una cornisa, un basamento o incluso una estela antigua según como ha dispuesto y relacionado las piezas sacadas a partir de él. El pedestal eleva, legitima y convierte en documento histórico aquello que se dispone sobre él, pero no hay que dejarse engañar. Ya la banalidad del objeto tomado como modelo nos recuerda a los readymade y el desmoronamiento de la escultura tradicional, pero además al disponerlo sobre el pedestal y recurriendo a la museografía arqueológica pretende hacernos partícipes de su engaño y que desarrollemos una mirada crítica ante los discursos preestablecidos.

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

Estamos en una jaula, sin salir, sin abrazos, con el contacto telefónico se rellenan huecos pero no es lo mismo que los afectos humanos. Efectivamente la jaula se volverá pájaro y volveremos a volar. Ojalá después de esto nos volvamos más generosos, más humanos, reflexiona la artista en una entrevista recientemente publicada en el Diario del Alto Aragón.

La jaula se ha vuelto pájaro, que la pintora toma de uno de los versos del poema El Despertar, de la argentina Alejandra Pizarnik, se ha convertido en augurio de la realidad que estamos viviendo estos días.

Visiones transversales en torno a Circa XX. A través de mi cuerpo / A través de tu cuerpo

GRETE STERN (Wuppertal, Elberfeld, Alemania, 1904 - Buenos Aires, 1999)

Título: Sueño 39

Fotomontaje, 1949

Con esta imagen iniciamos nuestro Slow Art dentro del programa Cultura en igualdad, Mujeres en Archivos, Museos y Bibliotecas, planteando una serie de preguntas relacionadas con la obra propuesta. Os invitamos a contemplar detenidamente la obra y encontrar aquello que a cada observador/a nos transmite.

• Un paseo por la playa, ¿es siempre tan idílico como nos imaginamos?
• ¿Qué quiere tansmitirnos la artista?
• ¿Sigue hoy vigente su mensaje?

Entre 1948 y 1952, durante el gobierno peronista, Stern crea su célebre serie Sueños, formada por cerca de 150 fotomontajes que realiza para ilustrar una columna titulada El psicoanálisis le ayudará, en la revista femenina Idilio. Combinando humor y surrealismo, Stern logra transmitir un fuerte mensaje de denuncia de la situación de la mujer en la sociedad argentina de la época frente al modelo defendido por la popular Eva Perón.

El texto que acompañaba al Sueño nº 39 era el siguiente: LOS SUEÑOS DE OBSTÁCULOS

Los psicoanalistas ortodoxos atribuyen al pie un significado especial; sin embargo se trata de un símbolo que posee un contenido mucho más general: es lo que nos permite marchar hacia delante; en los sueños, el pie se refiere a la “marcha de nuestra propia vida”. En ese sentido debemos interpretarlo en el sueño que comentamos. Aquí la soñadora, que se halla en un luminoso paisaje, lleno de sol y de azul, se ha introducido, inexplicablemente, en una pequeña zona sembrada de clavos. Estos penetran en sus pies pero no le causan dolor, solo LE IMPIDEN SEGUIR SU MARCHA. Ahora el significado del sueño es claro, se trata, por así decirlo, de una advertencia que se le hace a la soñadora: “voluntariamente y sin motivos se halla ante un obstáculo de poca importancia que sin embargo te impide seguir adelante”. La soñadora enfrentaba efectivamente cierto problema al que atribuía una gran importancia y que requería todas sus energías. Pero – le advierte el sueño – en lo íntimo de su ser esas cuestiones significaban muy poca cosa, tan sólo un obstáculo que puede ser apilado con cierta facilidad.

CRISTINA MARTÍN LARA (Málaga, 1972)

Título: Si yo supiera a qué se debe... Wenn ich nur wüsste wora das liegt... (1) II.  (2004)

Políptico (70,5 x 235 cms), fotografía sobre aluminio.

Si la obra de Grete Stern utiliza sus fotomontajes para transmitir un fuerte mensaje de denuncia de la situación de la mujer en la sociedad argentina de finales de los años 40 del s. XX frente al modelo defendido por la popular Eva Perón, el políptico de hoy nos muestra la figura humana también para “mirar con calma”.

Un momento de pausa, de reflexión, quizá de búsqueda... Las imágenes nos invitan a buscar, donde buscamos, qué buscamos…

La fotografía está protagonizada por la figura humana, en este caso de espaldas, y cubierta con una prenda mojada que la cubre totalmente. No se aprecia ningún paisaje con lo que se enfatiza la actitud contemplativa, de escrutinio del horizonte, transmitiendo al espectador la incertidumbre de aquello que se contempla, es más, qué es lo que busca el personaje retratado. La propia artista destaca que la obra nos habla de instantes contemplativos proyectados fuera de sí como puntos de fuga. En definitiva, trasladan al espectador a su propio mundo interior, y le hacen reflexionar sobre sus vidas.

LIANG YUNWEI (Xi'An, China, 1977)

Título: S/T. Serie Don´t forget to say you love me. 2005

Fotografía impresa sobre papel

La imagen creada por la artista se muestra “sugerente”. Las imágenes cuentan mucho, más allá de lo que nos podemos imaginar, usando como recursos todo nuestro aprendizaje previo y bagaje cultural. Observa, piensa, analiza, descubre, qué sugiere la imagen.

La obra es parte de la serie Don´t forget to say you love me que la conforman cuatro autorretratos de gran formato realizados en 2005, en los que la artista se muestra ante el objetivo de la cámara como se supone que debe hacerlo una mujer enamorada que ha asumido cuál es su posición en un mundo de hombres, la de objeto, y su mayor ambición, ser mirada y deseada por ellos.

MAPI RIVERA (Huesca, 1976).

Título: Estelación crepuscular. 2004

Fotografía analógica e impresión química.

La obra de Mapi Rivera cierra el ciclo de obras presentadas con motivo del Slow Art Day. La imagen que muestra la artista va más allá de la imagen de un cuerpo. Nos la presenta con una serie de elementos que seguro que nos sugieren algo más. Os invitamos a mirar pausadamente, a averiguar qué sugiere.

Su obra es consecuencia de una búsqueda personal, de conocerse a sí misma. El cuerpo de la artista es por el que pasa todo y hace que se transforme. La obra de Rivera se centra en el cuerpo, donde los elementos, en este caso las esferas, forman parte de ella, la rodean, eliminando las fronteras.

La propia artista afirma que Todo en la vida, en el universo, tiene corazón; el sistema solar y el átomo tienen corazón, todo está conformado de pequeñas partículas con núcleo corazón, no parece extraño que lo ínfimo reproduzca la inmensidad, ni que en el corazón hallen el misterio que atisban, experimentan y viven, científicos, místicos, artistas...

Estas obras, que forman parte de un nuevo proyecto expositivo, subirán a la sala para ser contempladas. Accede al vídeo presentación

"Slow Art Day" 4 de Abril de 2020

¿Te has preguntado cuánto tiempo pasamos delante de una obra cuando visitamos un museo?

Esa fue la cuestión que, a partir de la observación de sus visitantes, se plantearon desde el Metropolitan Museum de Nueva York en 2001 y que dio como resultado una investigación que concluía que la media se situaba en torno a los 27.2 segundos. Este primer artículo actuó como una toma de conciencia que dio lugar, por un lado, a nuevos estudios que profundizaron en cómo miramos las obras en los museos, y por otro, a iniciativas ciudadanas encaminadas a transformar estos hábitos.

Fue en 2009, con este contexto como telón de fondo, cuando Phil Terry decidió crear el Slow Art Day, que ha terminado convirtiéndose en un movimiento internacional en el que se integran museos de distintos países del mundo. ¿Su objetivo? Reunir a sus visitantes en torno a una o varias obras (no más de cinco) a las que dedicar una mirada con tiempo, una lectura de la imagen, que siempre va acompañada de reflexiones planteadas por todos los allí congregados.

Desde el IAACC Pablo Serrano, nos unimos también a la reivindicación del sosiego que defiende el Slow Art Day y que en esta edición de 2020 nos encuentra con más tiempo que nunca. Aunque su celebración iba a tener lugar en los espacios de nuestro museo, las circunstancias obligan a llevar a cabo esa interacción con el público desde sus casas, a través de las RRSS, en un periodo en el que estamos llamados a reflexionar sobre nuestro modo de vida y valores.

Para participar en este día, el IAACC Pablo Serrano ha creado el proyecto Visiones transversales en torno a Circa XX. A través de mi cuerpo / A través de tu cuerpo en el que se han seleccionado cuatro obras firmadas por Cristina Martín Lara (Málaga, 1972), Mapi Rivera (Huesca, 1976), Grete Stern (Wuppertal, Alemania, 1904 – Buenos Aires, Argentina, 1999) y Liang Yuanwei (Xi’an, China, 1977) que ofrecen diferentes modos de abordar el cuerpo humano, tanto en su dimensión física como en el mensaje que con él se traslada al espectador. A estas obras, realizadas por mujeres de distintas generaciones y contextos geográfico-culturales, podremos acercarnos a través de las ventanas de las RRSS desde el día 4 de abril, fecha en la que se celebra el Slow Art Day, y durante los días posteriores. Os esperamos.

Imagen (izquierda): Le tramway du musée du Louvre. Así imaginaba Albert Robida cómo serían las visitas al Museo del Louvre en su Le Vingtième Siècle. Muy rápidas, sobre una especie de tranvía, para ver muchas obras en poco tiempo.

Más información

Fondos y exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Del 30 de marzo al 3 de abril

• Pablo Serrano. Serie Hierros. Ordenación del caos

Tras su retorno a España en 1955, Pablo Serrano daba un paso más allá en su práctica artística al sumergirse en la más plena abstracción a través de su serie Hierros, que mostró por primera vez al público en su primera exposición individual, celebrada en la Sala Santa Catalina del Ateneo de Madrid (del 8 de enero al 9 de febrero de 1957)

Del assemblage de piedras, hierros y desechos de chatarrería se servía Serrano para construir estos cuerpos, tan deudores de Julio González, que adquirían una apariencia casi amenazante, siendo muy ilustrativas en este sentido las palabras que escribió para presentar sus nuevas creaciones:

"Un día subí al Vesubio y sentí el deseo de recoger escoria volcánica para aplicarla a mis trabajos. (…) Un día anduve por un campo que parecía un osario prehistórico, por la forma de sus piedras; algunas de ellas estaban horadadas. Un día entré en una chatarrería y observé clavos de derribo y chapas de hierro. Sentí el deseo de agrupar todos esos elementos y ordenarlos. Trabajé intensamente hasta lograr imprimirles la emoción sentida y me encontré cómodo."

Serie Hierros. Ordenación del caos [Vídeo]

• Pablo Serrano. Serie Ritmos en le espacio

Pablo Serrano compagina entre 1958 y 1959 la realización de esta serie junto con su serie “Quema del objeto”. De Ritmos en el espacio, Pablo Serrano declaró a Radio Nacional de España en 1959 con motivo de la inauguración de su exposición en la Galería Neblí de Madrid que “el vacío está envuelto por elementos que ensamblados entre sí producen un efecto dinámico irradiándose al exterior. Por experiencias acumuladas comprendí que el espacio así tratado, había sido encerrado y no liberado”.

Se trata de esculturas abstractas a base de trazos en el espacio, que intentan plasmar el dinamismo y el movimiento. Para ello parte de dibujos realizados de forma gestual. Estas obras se realizan mediante livianas varillas metálicas que dibujan en su interior un vacío que se incorpora a la escultura. La vocación de estas piezas era la de estar colgadas, oscilando, provocando que la luz proyectara sombras en el vacío.

Serie Ritmos en el espacio [Vïdeo]

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso

El recorrido de Elementos para un discurso comienza en una pequeña sala en la que nos vemos rodeados de estanterías metálicas sobre las que reposan diversos capiteles corintios. Podríamos creer que se trata del almacén de un museo arqueológico, pero una mirada atenta nos desvela que su rígido orden no se atiene a ningún criterio científico sino estético: por tamaño, con los capiteles más grandes en las baldas inferiores, y por color, los blancos arriba descendiendo en la gama cromática hasta llegar al negro. Pero todavía otro elemento puede confundirnos. En el centro de la estancia un pequeño mueble está lleno de archivadores. Contienen las fichas catalográficas de las piezas con las medidas, pesos, proveniencia de cada capitel. Una lectura rápida enseguida nos desvela su incoherencia y que, definitivamente, nos encontramos ante un “fake”.

Todo esta farsa tejida por Fernández Alvira pretende hacernos reflexionar sobre cómo las apariencias engañan y, apropiándose de los códigos de un museo arqueológico, dar verosimilitud a lo que en realidad son capiteles de cemento, parafina y mortero creados por el propio artista con fichas catalográficas inventadas por él mismo. Con esta falsa ruina normativamente construida, como la denomina el crítico Carlos Delgado, busca que adquiramos una mirada crítica ante los discursos preestablecidos, así que nos da las claves necesarias para que descubramos que es una trampa. Como ha señalado Joan Fontcuberta, «un fake que no se descubre es un fake fallido».
 

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

"Estamos en una jaula, sin salir, sin abrazos, con el contacto telefónico se rellenan huecos pero no es lo mismo que los afectos humanos. Efectivamente la jaula se volverá pájaro y volveremos a volar. Ojalá después de esto nos volvamos más generosos, más humanos", reflexiona la artista en una entrevista recientemente publicada en el Diario del Alto Aragón.

Cuando se inauguró la exposición de Teresa Ramón en el IAACC Pablo Serrano nadie podía prever que su mensaje nos sería hoy en día tan cercano, al referirse a la imposibilidad de salir de dónde sea que se esté encerrada, idea central de la muestra en sí misma. La pintora alude a su propia experiencia personal con la enfermedad, especialmente visible en el cuaderno de dibujo que utilizó, desde su aséptica habitación de un hospital, como una herramienta con la que exorcizar el demonio de la enfermedad y todo lo que para ella implicaba: el dolor, la vulnerabilidad, la dependencia, la pérdida de intimidad. Teresa Ramón parecía tener en mente aquellas palabras de Jean Dubuffet que advertía que “la pintura es un medio de expresión de nuestras voces interiores muchísimo más eficaz que el de las palabras”
 

Fondos y exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Del 23 al 27 de marzo de 2020

• Colección Román Escolano

La Colección Román Escolano está integrada por más de 700 estampas realizadas por destacados artistas españoles y extranjeros, entre finales de los años cincuenta y mediados de los noventa del siglo XX. 

En la imagen podemos ver una litografía de 1980 del barcelonés Fernando Lerín, que recoge una de las principales características de su obra, la abstracción basada en las gradaciones horizontales de color. 

• Pablo Serano. Interpretaciones al retrato
  

.Más allá de su actividad expositiva, un buen indicador del intenso vínculo profesional que Pablo Serrano mantuvo con Estados Unidos durante la década de los sesenta lo encontramos en las Interpretaciones al retrato que dedicó a diversos e influyentes personajes estadounidenses. De entre ellos destaca la del magnate Joseph H. Hirshhorn a quien Serrano conoció en 1964 cuando el coleccionista compró su Contradictoria dualidad del hombre entre su interior y su exterior y al que en 1967 dedicó una Interpretación al retrato que hoy forma parte, junto con su escayola, de la colección del @hirshhorn Museum and Sculpture Garden, creado a partir de la donación de su colección que realizó en 1966 al Gobierno de los Estados Unidos. 

Exposición Pablo Serrano. Retratista  Retratado

• I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres

LORENA SANZ

MENSAJE DE PAZ, 2015-2018
Instalación de gres, flores y banco

La instalación Mensaje de paz habla de la violencia y de la gran cantidad de personas inocentes que la sufren y que mueren. Por ello pretende ser un homenaje a las víctimas.

Se disponen en el suelo piezas de cerámica con forma de bomba, granadas de mano que representan esa violencia, el dolor y el sufrimiento. En la pared, ramilletes de flores para las víctimas. En el centro, un banco, que aparece como elemento de reflexión. La idea es imaginarte en ese banco observando todos esos casos de opresión y, a la espalda, la carga de todo el dolor y muerte. Reflexión y revolución interior. Porque solo el amor es capaz de provocar la Gran Explosión interior que transmutará la realidad.

rurututururu@gmail.com
Instagram liena.ena

Visita virtual a la exposición. Canal youtube

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso
  

En la exposición Elementos para un discurso, Antonio Fernández Alvira trabaja sobre el poder de la imagen, los procesos de construcción del discurso y su asentamiento dentro del imaginario colectivo. Supone una nueva vía de investigación dentro de su trayectoria en la que cambia la minuciosidad de sus trampantojos en papel por la indagación escultórica.

Recurriendo a materiales como el cemento, resinas, escayola… crea “fakes” de piezas arqueológicas para hacernos reflexionar sobre cómo se construyen los relatos, se legitiman y se universalizan al presentarse bajo el amparo del saber museológico. Es, en suma, un intento de que los espectadores adquiramos una posición crítica frente a los discursos preestablecidos en la línea del pensamiento posmoderno.

Cuidando al detalle la distribución y la iluminación de las piezas, dispuestas en escala cromática, hace que la propia sala de exposiciones forme también parte de la obra.

Visita virtual a la exposición. Canal youtube

Elementos para un discurso. Vídeo

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

La firme determinación con que Teresa Ramón se ha posicionado ante la vida sobrevuela el proyecto expositivo de La jaula se ha vuelto pájaro, comisariado por Semíramis González y con el que la pintora celebra la concesión del Premio Aragón Goya en 2015.

La historiadora destaca del trabajo de Ramón la presencia indiscutible de mujeres poderosas, fuertes, categóricas… adelantándose en su representación a muchas de las cuestiones que hoy se reivindican desde la Historia del Arte. Esa nueva lectura del canon, que busca incluir a las olvidadas y reconocer su trabajo, encuentra en el trabajo de Ramón una aliada, peleando contra la historia misma y contra los contextos que remaban a la contra. La figura misma de una artista que trabajaba la pintura es, de por sí, casi revolucionaria, teniendo en cuenta las dificultades que las mujeres han tenido tradicionalmente para abrirse camino en las Bellas Artes. La brecha de género también tiene su correspondencia en el arte no sólo con todas esas “grandes mujeres artistas” por las que se preguntaba Linda Nochlin en 1971, sino por las dificultades para afianzar una carrera profesional en el sector.

Visita virtual a la exposición La jaula se ha vuelto pájaro

La jaula se ha vuelto pájaro [Vídeo]

[Créditos: Dirección, edición y producción: Daniel Pardo. Cámara: Daniel Zulo. Bailarina: Inés Turmo. Chelista: Alejandro Villacampa. Colorista: Claudi Lopez]

Inauguración del IAACC Pablo Serrano

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El 23 de marzo de 2011 se inauguraba el nuevo edificio del IAACC Pablo Serrano, que reabría sus puertas con unas instalaciones ampliadas y renovadas para convertirse en un referente del arte y la cultura contemporánea, no sólo aragonesa sino también nacional e internacional, y con la intención de profundizar en la figura del escultor aragonés que le da nombre.

La ampliación, diseñada por el arquitecto José Manuel Pérez Latorre, supuso que la superficie del centro pasase de 2.500 metros cuadrados a 7.500. La nueva construcción emergía de la preexistente, realizando la ampliación en altura. De esta forma, el edificio dispone de sótano, planta calle, cuatro pisos en alzado y una azotea, adaptada para la realización de diferentes actividades.

En el exterior, forrado de planchas de fibra de carbono y protegido por tela asfáltica, se jugaba visualmente con la chapa, el cristal, el hormigón y las placas de esmalte color turquesa. Además, se dotaba al edificio con una terraza accesible para el público y adecuada para la realización de actividades.

Fondos y Exposiciones del IAACC Pablo Serrano

Del 16 al 20 de marzo de 2020

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• Colección Román Escolano

En la Colección Román Escolano están representadas 52 mujeres.

Destacamos hoy a la turolense Charo Pradas con un grabado de 1985, obra actualmente en réstamo para la exposición "Transformaciones" de Ibercaja.

• Pablo Serrano. Serie Bóvedas para el hombre

Pablo Serrano muestra durante toda su trayectoria artística y vital un compartido interés por temas formales y conceptuales. Reflexiones en torno a la luz y el espacio se unen a su profunda preocupación por el ser humano. Estamos ante un artista especialmente reflexivo, un buscador de respuestas a la esencia de la existencia, al sentido del arte y de la vida.

El artista calificaba a su serie Bóvedas para el hombre como un espacio protector: “Toda esta lucha es representación del hombre que busca una bóveda donde ampararse, donde cobijarse con su inseguridad, un refugio para su espacio espiritual interior. Bóvedas potentes que lo amparen desde cuyo espacio pueda dialogar”. Un espacio protector que construyó el escultor para procurar el lugar de seguridad espiritual y material que demanda el ser humano en el transcurrir de su existencia. Diálogo, protección, amparo, palabras hoy de un inesperado protagonismo.

Con estas obras representó a España en la Bienal de Venecia de 1962 y si bien, fue Alberto Giacometti quien se alzó con el Gran Premio de Escultura, Serrano obtuvo un éxito de crítica que consolidó su presencia en el panorama artístico internacional.

Vídeo Serie Bóvedas para el Hombre 

• I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por mujeres
  

CHIKITA GIMÉNEZ

BE FIGTHER, 2020
Acrílico y posca
3m x 3m

Chikita reside y trabaja en Zaragoza; pintora, tatuadora e ilustradora, licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Castilla La Mancha. Su recorrido artístico está vinculado al Graffiti. Ha intervenido en festivales y exhibiciones, recorriendo gran parte de la geografía española, y ha participado en eventos internacionales cómo “BREAKIN CONVENTION” de Londres, “JUICE FESTIVAL” de Toulousse o “FATE FESTIVAL” de San Potito (Italia).

En su trabajo suele mostrar personajes y ambientes como cable de conexión con el observador para transmitir o generar una sensación. La necesidad de hacer le persigue lentamente, creando imágenes de sensaciones sencillas. No trata temas transcendentales, pero si de algo importante, VIVIR.

La pintura mural realizada en el IAACC Pablo Serrano, que abre el recorrido de esta exposición, presenta uno de sus característicos rostros femeninos al que acompaña un rotundo mensaje de coraje vinculado con el discurso de esta I Muestra Internacional de Arte Contemporáneo realizado por Mujeres. Organizada por la Plataforma de Mujeres en el Arte Contemporáneo (PMAC) y el IAACC Pablo Serrano, forma parte de un proyecto de arte más amplio en el que se impone la reflexión, el debate y la crítica.

chikitagimenez@gmail.com
Facebook.com/chikita.zaragoza
Instagram.com/chikitazgz
 

• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso
  

Antonio Fernández Alvira (Huesca 1977), licenciado en Bellas Artes por la Universidad de País Vasco, cuenta ya con una importante trayectoria. Ha expuesto su obra en el MUVIM de Valencia,el Instituto Cervantes de Madrid, Roma, Palermo o Praga y el Museo de Huesca entre muchos otros y su obra se encuentra en diversas colecciones como DKV, Universidad de Alicante, Diputación de Huesca, Diputación de Zaragoza, Fundación Complutense o Fundación Ramón J. Sender entre otras.

Nacido en el seno de una familia de larga tradición de carpinteros y ebanistas, Fernández Alvira pronto mostró una clara inclinación artística. En su imaginario siempre se reflejarán esos orígenes, pero poco a poco irá construyendo su propio camino fuera de senderos batidos. De hecho, para uno de sus primeros proyectos, Constructing my identity (2008-2009), bordó con hilo sobre papeles y diversas prendas de ropas para reflexionar sobre la identidad. Pronto se inclinaría hacia el terreno del engaño recreando efímeras y frágiles ruinas de monumentales arquitecturas, primero en el papel en Lo que parecía indestructible (2014) y luego en forma de gran instalación como en La dernière lueur (2016).

Actualmente su línea de investigación se centra en el poder de la imagen y los procesos de construcción del discurso establecido como se refleja en Elementos para un discurso, la exposición que alberga el IAACC Pablo Serrano. En palabras de Fernández Alvira: "Hoy en día el arte no es solo algo plástico, es también investigación, pensamineto, hay que contar algo, hacer reflexionar al espectador y trabajar lo que se conoce como pensamiento crítico".

• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro

Señor
La jaula se ha vuelto pájaro
y se ha volado
y mi corazón está loco
porque aúlla a la muerte
y sonríe detrás del viento
a mis delirios
(…)

El Despertar. Alejandra Pizarnik

El verso La jaula se ha vuelto pájaro es la inspiración y punto de partida de la última muestra expositiva de Teresa Ramón.

El documental Carrasca, dirigido por Alejandro Cortés en el año 2018 y estrenado en Imprescindibles de RTVE en el Día Internacional de la Mujer, permite ahondar en el trabajo de esta artista oscense de dilatada trayectoria y Premio Aragón Goya de las Artes 2015.

“Carrasca es la versión femenina del roble, un árbol superdotado para soportar todo tipo de embestidas. Alejandro Cortés eligió un título insuperable para retratar a esta mujer experta en supervivencias, vitales y profesionales. Teresa ha atravesado muchas Españas, algunas muy duras, desde la posguerra. Su coraje y su talento le han permitido siempre sacar la cabeza, como el perrito de Goya en ese cuadro que ella tanto venera. Es una número uno del arte. Pero también de eso que se llama resiliencia, el poder para no hundirse, pase lo que pase”

Tanto el documental como la muestra expositiva son la expresión de la firme determinación con que la artista se ha posicionado ante la vida.

Catálogos de las exposiciones

• Salvador Victoria. Retorna un pintor
• Renato Costa. Inkless
• Javier Joven. Contra Acción
• Arte y vino. Colección Enate
• Paco Algaba. Europa Solar
• Sergio Muro. Plain Happy
• Natalio Bayo. Variaciones Goyescas
• Cristina Huarte. Aún no estás sola
• Víctor Mira. Viaje de una generación
• Objetivo Mordzinski. Un viaje al corazón de la literatura hispanoamericana
• Vicente García Plana. El objeto de la memoria
• Yann Leto. Safari
• Juana Francés. Una voluntad investigadora
• Sinestesias. Tres cuartos de estar propios
• Teresa Ramón. La jaula se ha vuelto pájaro
• PMAC. I Muestra Inernacional de Arte contemporáneo realizado por Mujeres
• Antonio Fernández Alvira. Elementos para un discurso
• Lorena Domingo. Las raíces del vuelo

En torno a la exposición "Pablo Serrano. Retratista retratado"

Interpretaciones al retrato de:

• Juana Francés
• Manuel Millares
• Miguel Labordeta
• Pilar Citoler
• Jose Luis López Aranguren

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• Alberto Portera
• Camilo José Cela
• Juan Antonio Gaya Nuño
• Aurelio Biosca
• Eduardo Westerdahl

• Michel Tapié
• José Eseban Popi
• Milton Rua
• Joseph James Akston
• James Johnson Sweeney
• Joseph H Hirshhom
• Rene D´Hamoncourt

El Museo en internet: sonidos e imágenes

Talleres Pignatelli

El IAACC Pablo Serrano se encuentra ubicado en el edificio de los antiguos Talleres del Hogar Pignatelli. La Casa de Misericordia u Hogar Pignatelli de Zaragoza (denominación que cambia según el momento histórico) será en el siglo XX una institución asistencial, amparando a los necesitados y favoreciendo su integración social.

Los Talleres fueron un elemento esencial dentro de la vida del Hogar Pignatelli desde su creación en el siglo XVIII como medio de recaudar fondos a la Casa, hasta su función como centro de formación profesional para aquellos alumnos que, superado el periodo de escolarización obligatoria, deseaban integrarse en el ámbito laboral. La función de espacio de integración socio-laboral será la predominante a partir de la segunda mitad del siglo XIX.

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